CinePt

SINGULARIDADES DE UMA RAPARIGA LOURA

2010-07-20T20:04:00.002+01:00

Apesar da sua curta duração (inferior a 70 minutos), Manoel de Oliveira consegue em Singularidades de uma Rapariga Loura contar-nos uma história deliciosamente satírica partindo do conto homónimo de Eça de Queirós (na qual o jovem Macário se perde de amores pela bela Luísa assim que a vê abanar o leque na janela diante do seu escritório, e tudo fará para se tornar homem digno de casar com ela), adaptando-o a uma curiosa realidade indefinida no tempo e repleta de anacronismos – os carros, algumas das roupas são actuais, mas os diálogos, os costumes e “aquele leque” não são deste século, porventura nem do anterior – oferecendo ao seu filme uma aura mais intemporal. São também bastante curiosos os jogos que o realizador faz entre a ficção e a realidade, incluindo a figura do próprio Eça em algumas cenas, ou convidando um dos seus actores de sempre, Luis Miguel Cintra, para se interpretar a si próprio, interpretando poesias de Pessoa, fazendo desta adaptação algo mais do que isso. Para aqueles que insistem em reduzir o centenário autor português a uma figura fora do seu tempo, ela mostra-nos novamente que é um dos poucos cineastas realmente atentos ao mundo e ao seu país, não sendo por acaso que pega nesta história para levar ao ecrã, mostrando-nos um leque de personagens colados aos brandos costumes portugueses, onde tudo se faz para se ser bom e respeitável de modo a ser parte integrante de uma sociedade afinal de contas bem mais podre do que as aparências fazem crer. “Costumam entrar pobres na loja?”, pergunta o tio a Macário (Ricardo Trêpa). “É que tem desaparecido muito dinheiro em tecidos”, remata. Com o cuidado habitual na construção de planos com que Oliveira sempre nos brindou, bem como um ritmo contemplativo do qual não prescinde numa época de excessiva agressividade das imagens, Singularidades de uma Rapariga Loura assume-se como mais uma pequena pérola no corpo da obra do seu autor, bem como um dos seus títulos mais acessíveis, queira o espectador dar-lhe uma oportunidade.

João Paulo Costa

LÍBANO (Lebanon)

2010-07-13T00:22:00.004+01:00

A propósito de Líbano, muito se falou na forma como Samuel Maoz pareceu querer evocar Kubrick e os assombrosos pontos de vista de HAL 9000, o computador com vida própria de 2001: Uma Odisseia no Espaço quando, no seu filme, nos presenteou com os igualmente desconcertantes planos do interior do tanque de guerra. Percebo perfeitamente a comparação, até porque aquilo que ambos os títulos fazem, à sua maneira, é tentar colocar-nos no lugar dessas máquinas criadas pelo homem, confrontando-nos assim… connosco. Ou seja, em Líbano, enquanto seguimos o rasto da destruição do interior do tanque, o olhar da máquina em oposição ao olhar directo das personagens acaba por funcionar como uma tentativa de distanciamento do espectador com o filme, colocando-o como observador consciente do que o rodeia. Sem o “conforto” do olhar da personagem, e sim através da frieza de um aparelho de guerra ou de um computador demasiado evoluído.

Por outro lado, o que me veio imediatamente à cabeça, ainda antes de Kubrick, foi mesmo Idi i smotri/Vem e Vê, o filme de Elem Klimov passado durante a Segunda Guerra Mundial, onde aparentemente também seguimos o conflito e a desumanização através do olhar de um inocente, quando essa não é bem a realidade. Em Vem e Vê, como em Líbano, a câmara acaba também por funcionar como um elemento de certo distanciamento, seguindo os actores no seu ambiente, e fazendo com que estes dirijam com regularidade o seu olhar directamente na direcção da objectiva, falando frequentemente para “ela”. O resultado, claro, é que falam e olham directamente para nós, o espectador, colocando-nos também na posição de testemunhas do que se passa no ecrã. Mas não nos precipitemos: esse olhar mecânico também nos consegue aproximar, e muito, da intimidade das personagens. Não quero com isto comparar a qualidade global dos dois filmes, até porque por muito que tenha apreciado o filme de Maoz, não creio que este atinja o nível do de Klimov, ainda que a sensação de doloroso desconforto seja bastante semelhante. E será sempre uma das mais difíceis experiências cinematográficas a que poderemos assistir este ano nas nossas salas.

João Paulo Costa

THE BOX

2010-07-10T00:10:00.008+01:00

Ao terceiro filme, reforço ainda mais a principal ideia que Southland Tales já deixara em mim: a de que Richard Kelly consegue ser ao mesmo tempo um dos mais interessantes e auto-destrutivos autores da sua geração. Sim, porque gostem ou não (e nos últimos anos têm sido mais aqueles que não gostam, e relegam Donnie Darko para a categoria de mero feliz acidente de percurso), Kelly é um autor cujo estilo já se tornou numa espécie de marca registada. Visualmente, The Box é mesmo capaz de ser o mais interessante dos seus filmes, com Kelly a gerir na perfeição os tempos de duração dos planos e a construção de suspense, bem como a conseguir arrancar curiosas interpretações de todos os actores com quem trabalha, polvilhando tudo com uma saudável dose de excentricidade no trabalho de câmara e tratamento da imagem, sendo que neste caso, e apesar do registo ter sido feito em alta definição, esse tratamento da imagem não serve efeitos decorativos, mas sim para nos ajudar a transportar para os anos 70, época em que decorre a acção do filme. A questão é que Kelly também é adepto aparente da anarquia narrativa, e mesmo adaptando aqui uma história de meia-dúzia de páginas da autoria de Richard Matheson, imprime-lhe um cunho pessoal que torna a compreensão da mesma num acto de esforço.

Se a base do conto de Matheson, intitulado Button, Button (que até já deu origem a um episódio da Twilight Zone) se pode resumir em poucas palavras – um estranho oferece a um casal em dificuldades uma caixa, afirmando que se nas próximas 24 horas pressionarem o botão presente na mesma, receberão 1 milhão de dólares, mas ao mesmo tempo isso resultará na morte de um desconhecido – já o mesmo não se pode dizer do desenvolvimento que Kelly lhe dá, desenvolvendo a partir daí uma série de conceitos de rebuscada ficção científica envolvendo a NASA e uma missão a Marte mal sucedida. Percebe-se, sem grande dificuldade, o falhanço comercial dos seus filmes numa altura em que, cada vez menos, o espectador comum tem vontade ou inclinação para se deixar perder numa sala de cinema, exigindo dos seus filmes explicações detalhadas e óbvias sobre tudo o que acontece à sua volta. O realizador e argumentista volta a não estar disposto a oferecer grandes concluões, preferindo lançar os temas, oferecer pistas, e deixar a cada um a devida explicação dos acontecimentos. Ainda assim podemos dizer que de todos os argumentos por sí realizados, este é o mais acessível. Mas dizer isso, no caso, não quer dizer muito. Fã confesso de Terry Gilliam, Stanley Kubrick ou David Lynch, Kelly permanece incorruptível nas suas ideias de subjectividade narrativa. E que dessa forma continue enquanto Hollywood prosseguir com o financiamento à sua obra apocalíptica – e já agora, fica a questão: até quando esse apocalípse não se estende à própria carreira do realizador?

Afinal, o que vale este The Box? Valerá, fundamentalmente, mediante aquilo que o espectador estiver disposto a receber em troca. Não é nada fácil gostar deste cinema de excessos, mas os leitores mais atentos saberão perfeitamente que sou fã confesso do realizador, do seu estilo e da forma como, mesmo me fazendo perder completamente nos seus labirínticos argumentos, consegue também fazer-me sentir uma ligação emocional com as personagens. Neste caso, tudo está ancorado naquilo que formos capazes de conseguir sentir por esta família – não apenas os pais, Cameron Diaz e James Marsden, mas também o seu jovem filho, Sam Oz Stone – seres humanos com falhas, mas sempre soando verdadeiros, residindo neles o coração de todo o filme. A recriação da vida suburbana, tal como em Donnie Darko, surge aqui como um dos pontos mais fortes, e a afinidade do mesmo para com as personagens não está alheia E não posso ignorar também o maravilhoso bom gosto com que Kelly enche as suas composições em widescreen, marcando este título também por um rigor formal mais aprimorado (há um plano da caixa directamente levantado de um plano do Kubrick de 2001: Uma Odisseia no Espaço, que consegue produzir o mesmo efeito desconcertante).

A banda sonora, da autoria de Win Butler e Régine Chassagne (dos Arcade Fire) e Owen Pallett, que evoca temas do genial Bernard Herrmann é outro dos elementos arrepiantes do filme, tal como Frank Langella, como o estranho desfigurado que oferece a caixa ao casal, e funciona como o rosto aparente de uma sinistra organização. A referência a Bernard Herrmann funciona conduz-nos imediatamente, e por arrasto, para o cinema de Hitchcock, influência também bastante evidente em The Box, não só através da música, mas também do tratamento da cor, do trabalho sobre o suspense, e da forma como trata estas personagens aparentemente banais, mas envolvidas em circunstâncias extraordinárias. E, no fundo, apesar de toda a aparente complexidade narrativa, esta pode ser reduzida a algumas das mais básicas questões morais. Sobre o valor da vida humana. Sobre o egocentrismo. Sobre a culpa. O final, construído através de uma trágica montagem paralela, é asfixiante e doloroso mas, à sua maneira, encerra também algo de muito belo, ao mesmo tempo que confirma uma obsessão sempre presente no cinema de Kelly, a do auto-sacrifício por um bem maior. Tal como Shyamalan ou De Palma ou mesmo von Trier, Richard Kelly é cada vez mais um autor orgulhoso da polarização de opiniões que o seu trabalho vem provocando e não desiste de lutar pelo que acredita. E só isso já seria de louvar.

PS - Com tanta coisa, esqueci-me de referir o mais importante, mas que já não constitui propriamente uma surpresa: The Box não teve direito a exibição comercial nas salas portuguesas, nem prevejo que venha a ter. Os fracos resultados comerciais americanos não ajudaram e, já se sabe, é cada vez mais a única forma de se ter acesso a cinema de autor na era do DVD e dos torrents.

João Paulo Costa

Actualizações

2010-06-06T23:34:00.004+01:00

Vai continuando a ser difícil manter o blog actualizado, por vezes por falta de tempo, ou de disponibilidade para me sentar e escrever algo que valha a pena. Seja como for, deixo aqui a informação aos leitores de que podem ler alguns textos e críticas minhas em mais uma edição da Take, que esta semana voltou a sair nas bancas virtuais. Já agora, chamo também a atenção para o número anterior, que podem encontrar em arquivo se ainda não leram, e que é bastante bom.

Nos próximos tempos, não esperem muitas novidades por aqui, uma vez que a vida pessoal e profissional nos últimos tempos tem preenchido muita da minha actividade. Seja como for, ainda não é desta que fecho o tasco ;-)

João Paulo Costa

OS ESTRANHOS (The Strangers)

2010-04-15T20:18:00.003+01:00

Após uma discussão conjugal, um casal que se preparava para um fim-de-semana romântico numa casa de campo vê a sua privacidade invadida por um grupo de sinistros indivíduos mascarados que circundam a habitação, assediando-os de todas as formas possíveis. Aparentemente baseado numa história verídica, The Strangers nunca poderia ser um mau filme de terror, precisamente porque a sua premissa de partida aponta a alguns dos maiores medos humanos, nomeadamente a ilusão de segurança do lar. Num género por vezes perigoso e armadilhado, o estreante realizador e argumentista Brian Bertino consegue esquivar-se bem a eventuais tropeções, destacando-se pela inteligência na construção do horror e do suspense, e mesmo pela coragem na abordagem a algumas cenas, mostrando que aprendeu bastante bem as lições de alguns dos maiores mestres, saltando imediatamente à cabeça o Halloween de John Carpenter, especialmente na forma como trabalha a composição de planos no formato scope (2.35:1) – um deles, desprovido de quaisquer efeitos visuais ou sonoros, consegue ser um dos mais assustadores dos últimos anos, tudo mérito da encenação do realizador. Os actores, Liv Tyler e Scott Speedman são perfeitamente competentes sem brilhar, mas são os “estranhos” do título quem rouba o espectáculo, tendo tudo para assombrar os maiores pesadelos dos espectadores mais sensíveis. Não é isso que se pretende num filme do género? Quando assim é, até se desculpam alguns detalhes menos inspirados e uma quebra de fôlego com o aproximar dos minutos finais (embora felizmente se recuse a perder tempo com explicações desnecessárias), até porque por cada defeito, haverá sempre um par de cenas que nos ficarão gravadas na memória.

João Paulo Costa

50 FILMES DOS ANOS 2000: PARTE X

2010-04-11T22:39:00.007+01:00

[PARTE I][PARTE II][PARTE III][PARTE IV][PARTE V]
[PARTE VI][PARTE VII][PARTE VIII][PARTE IX]

OS FILHOS DO HOMEM (Children of Men/2006), Alfonso Cuarón
Num futuro não muito distante, a humanidade encontra-se à beira da extinção. É neste universo catastrófico que se desenrola um dos mais portentosos filmes da década, criminosamente ignorado aquando da sua estreia em Portugal, e mesmo reduzido a mero exercício tarefeiro do seu realizador, quando em boa verdade o que temos aqui é apenas uma das mais corajosas realizações dos últimos anos por parte do mexicano Alfonso Cuarón. Apesar de parecer quase inevitável, também não é justo reduzí-lo aos famosos planos-sequência que integram complexas coreografias bélicas, porque Children of Men é mais do que isso. É um grande filme de acção, mas com algo de realmente importante para nos dizer... sobre nós.

O LABIRINTO DO FAUNO (El Laberinto del Fauno/2006), Guillermo Del Toro
Outro título de um realizador mexicano que entre nós foi também algo ignorado, mas que se tornou num dos favoritos da casa. Numa altura em que Tim Burton parece mergulhado numa espécie de crise criativa, Del Toro assume-se aqui como um talentoso herdeiro, pegando num conceito fantástico para nos contar uma fábula bem humana. Ou será o contrário? Seja como for, El Laberinto del Fauno é tão empolgante quanto comovente e assustador, é visualmente magnífico e sempre cativante. Mesmo havendo quem o acuse de manipulador e incoerente, cá estarei para o defender com unhas e dentes.

ENTRE INIMIGOS (The Departed/2006), Martin Scorsese
Martin Scorsese é, como os leitores mais atentos saberão, uma das preferências cá do burgo, e na altura de compilar esta lista a única dúvida estaria no título a escolher. Pois bem, mesmo sendo uma escolha típica (foi o seu maior sucesso comercial – vamos ver o que acontece com Shutter Island - e o filme que lhe assegurou o Oscar), mesmo sendo um remake de um prestigiado filme asiático (quanto a mim algo sobrevalorizado), rendo-me em definitivo às suas qualidades. The Departed devolve Scorsese ao submundo mafioso (desta vez não são ítalo americanos de Nova Iorque, mas irlandeses de Boston) e o filme, brilhantemente escrito, exemplarmente interpretado e superiormente realizado, é ao mesmo tempo um dos seus maiores entretenimentos e dos mais complexos da sua carreira. Material deste nas mãos de um mestre só poderia resultar em algo em grande. Gangs of New York, filme que foi crescendo na minha consideração ao longo dos anos (gostei imediatamente, mas sucessivos revisionamentos colocaram-no num patamar superior) poderia também estar neste lugar, mas The Departed é um nadinha superior.

O SONHO DE CASSANDRA (Cassandra's Dream/2007), Woody Allen
Quem diria que um dos mais aclamados comediantes do cinema americano seria recordado esta década pelos seus dramas criminais? Bem, os mais atentos à sua filmografia conhecem perfeitamente esse lado negro do cinema de Woody Allen, que esta década nos ofereceu os sublimes Match Point e Cassandra's Dream. A preferência normalmente recai sobre o primeiro, sendo o segundo injustamente ignorado por muitos, sendo a razão pela qual o destaco. A tragédia que invade a história destes dois irmãos é aterradora, e tudo que nos conduz ao plano final é de uma perfeição exemplar. E se Woody Allen nesta fase da carreira precisar mesmo de nos oferecer dois ou três títulos menores entre cada obra prima, que o faça à vontade, durante muitos anos.

HAVERÁ SANGUE (There Will Be Blood/2007), Paul Thomas Anderson
O que dizer de There Will Be Blood que não tenha ainda sido dito? Ao que parece, foi dos filmes mais mencionados no final da década em inúmeras listas um pouco por todo o mundo, e tal distinção não poderia ser mais justa. Paul Thomas Anderson já tinha assinado nos anos 90 alguns dos melhores filmes da década, e voltou a fazê-lo agora, com este e Punch-Drunk Love, assumindo-se em definitivo como um dos mais radicais e fascinantes autores da sua geração. O Cinema surge aqui no seu estado mais puro e envolvente, como o provam as primeiras cenas, em silêncio quase total, enquanto vamos vendo um homem escavando à procura de ouro e prata, acabando por se deparar acidentalmente com o petróleo que servirá para fazer um dos mais acutilantes comentários à consciência americana. Daniel-Day Lewis é rei neste título por vezes enigmático mas sempre absorvente, que inclui também alguns dos maiores momentos visuais dos últimos anos. Mais do que um discípulo de Altman, Demme, Scorsese ou Kubrick, Paul Thomas Anderson é um realizador com cunho próprio, e esta uma das suas maiores obras.

E pronto, fica assim concluída a minha revisitação de alguns dos meus filmes favoritos da década passada. Muitos ficaram por escolher, mas no geral é isto. Espero que tenham gostado de a ir descobrindo, tanto quanto eu gostei de a ir elaborando.

João Paulo Costa

50 FILMES DOS ANOS 2000: PARTE IX

2010-04-06T23:45:00.008+01:00

[PARTE I][PARTE II][PARTE III][PARTE IV]
[PARTE V][PARTE VI][PARTE VII][PARTE VIII]

A VILA (The Village/2004), M. Night Shyamalan
Shyamalan encontra-se num ponto de tal forma fracturante da sua carreira em que consegue ser igualmente adorado e odiado, precisamente pelos mesmos motivos. O seu cinema na primeira década do século foi-se tornando progressivamente mais pessoal, e o seu estilo sendo depurado a cada nova estreia. Esse percurso, no entanto, evoluiu num sentido quase inversamente proporcional ao respeito da generalidade da opinião pública, que de grande promessa passou a tratá-lo como fraude pretensiosa. Por cá, Shyamalan é adorado precisamente por essa recusa a fugir ao cinema que ele próprio recuperou para o mainstream e os seus filmes, parábolas bem mais recheadas do que aparentam, vão muito além dos finais surpreendentes. Nesse aspecto, The Village é sem grandes dúvidas a sua obra-prima, que tem também o bónus de ter descoberto Bryca Dallas Howard para o cinema.

ALICE (2005), Marco Martins
Primeira obra de Marco Martins, inspirada no caso verídico de uma criança desaparecida, e nas consequências que isso tem nos seus pais, Alice lava-nos com as suas personagens rumo ao mais profundo desespero. Com um ritmo pausado e quase hipnotizante, Marco Martins extrai dos seus excelentes actores (Nuno Lopes e Beatriz Batarda excelentes, em registos quase opostos) a alma necessária para tranformar a sua obra de estreia num sucesso artístico. Confesso que esta década deixei passar em claro alguns títulos nacionais que possivelmente poderiam ter lugar nesta lista, mas os representantes da nossa filmografia deixaram marcas suficientes para perdurarem ao longo da década.

BOA NOITE E BOA SORTE (Good Night, and Good Luck/2005), George Clooney
Gosto imenso do segundo filme de Clooney como realizador, depois da sua estreia com o já interessante mas excessivo Confessions of a Dangerous Mind. Aliás, o que esse filme tinha em demasia, Good Night, and Good Luck. tem a menos – é, aliás, um filme de minimalismos, rodado a preto-e-branco, quase todo passado num estúdio de televisão. O que não implica que, além de muitas outras coisas, não seja visualmente assombroso. Depois, tem na composição de David Strathairn como Edward R. Murrow (um dos últimos verdadeiros representantes dessa rara espécie, especialmente hoje em dia, o jornalista) uma preciosidade que é também o espelho do próprio filme: contida, minimalista, mas sempre atingindo todos os pontos cruciais. Passa-se nos anos 50, e é sobre o McCarthismo, mas também se passa, e cada vez mais, na actualidade.

UMA HISTÓRIA DE VIOLÊNCIA (A History of Violence/2005), David Cronenberg
David Cronenberg, pois claro, numa década em que a sua obra regressou a um patamar de maior visibilidade comercial, mas nem por isso perdeu um centelho do que a caracteriza. É violento e visceral, e ao mesmo tempo é uma jornada sobre a identidade e, por arrasto, é também um dos melhores filmes do autor de Videodrome, The Fly ou Dead Ringers. E Cronenberg encontrou também em Viggo Mortensen o actor ideal para dar corpo (literalmente) aos seus pesadelos – o trabalho do actor em Eastern Promisses é ainda melhor, embora como filme este seja superior. O insano, perturbante e genial autor canadiano continua a provar por que motivo é um dos maiores.

O NOVO MUNDO (The New World/2005), Terrence Malick
A revisitação da história da índia Pocahontas (e, por arrasto, da própria América) foi o tema escolhido pelo genial Terrence Malick para o seu único filme da década (média, aliás, que se mantém desde que assinou Badlands em 1973, embora tenha já um novo título prestes a sair em 2010 e outro em preparação). E, como não poedria deixar de ser, trata-se de um dos mais belos, continuando a depurar o seu inigualável estilo visual e narrativo, e oferecendo-nos mais do que um filme, uma experiência transcendental. Conseguindo encontrar a beleza mesmo nos recantos mais obscuros da natureza humana, The New World é poesia em movimento e, se tem algum defeito, é fazer-nos lamentar que o seu autor não seja mais prolífico. Fabuloso.

João Paulo Costa

50 FILMES DOS ANOS 2000: PARTE VIII

2010-04-05T23:10:00.008+01:00

[PARTE I][PARTE II][PARTE III]
[PARTE IV][PARTE V][PARTE VI]
[PARTE VII]

PERTO DEMAIS (Closer/2004), Mike Nichols
Baseado na peça homónima de Patrick Marber, que o próprio adaptou a cinema, Closer é um muito negro e desencantado olhar sobre as relações humanas, e marcou também o regresso de Nichols ao grande cinema de outros tempos. Repleto de magníficas interpretações por parte do seu quarteto de actores, todos eles ao nível do melhor que já fizeram nas suas carreiras, Closer é uma das mais intensas experiências dramáticas que o cinema nos ofereceu nos últimos anos, e é um grande, grande filme.

COLLATERAL (2004), Michael Mann
Uma década em cheio para Michael Mann, que entre outros assinou também os excelentes Miami Vice e Public Enemies, candidatos a um lugar nesta lista. Ainda assim, essa “honra” coube a Collateral, um muito curioso thriller passado numa noite em Los Angeles que em mãos menos capazes poderia estar já mais do que esquecido, mas em mãos de mestre é um exímio pedaço de cinema de acção, com cenas de antologia e muito estilo. Este foi também o título em que o realizador se rendeu (ao que parece em definitivo) ao cinema digital, do qual é um dos maiores pioneiros. Além de tudo isto, há grandes interpretações de Tom Cruise, Jamie Foxx e de um colectivo de excelentes actores em pequenos mas muito inspirados papéis.

GARDEN STATE (2004), Zach Braff
O filme de estreia (e até agora único) de Zach Braff como realizador é uma pequena delícia recheada de um humor minimalista delicioso, ao bom estilo de Wes Anderson, e também visualmente muito curiosa. É difícil não me render a esta pequena jóia que mexeu comigo ao primeiro visionamento e desde então não mais me largou. E, num registo quase completamente oposto ao que nos mostrou em Closer, Natalie Portman igualmente fantástica.

NOITE ESCURA (2004), João Canijo
No dia do seu visionamento, Noite Escura bateu forte, e desde então tem permanecido na memória, incómodo e desconcertante. Aliás, se há coisa que o tempo fez ao filme de João Canijo foi torná-lo ainda mais pungente. Com uma câmara sempre agressivamente próxima da acção, no estilo cru e visceral que tem vindo a marcar a obra de Canijo, Noite Escura é um retrato incómodo e perturbador do Portugal profundo, com um par de cenas chocantes, mas sempre incisivo e nunca gratuito. Depois, temos a habitual Rita Blanco, Beatriz Batarda e Fernando Luís em grande.

SIDEWAYS (2004), Alexander Payne
Alexander Payne é outro dos autores americanos alternativos “nascidos” nos anos 90, que entretanto se tornou num nome de peso por direito próprio. Nesta lista podia também constar o igualmente extraordinário About Schmidt, que contém uma das melhores composições de Jack Nicholson, mas Sideways também não se sai nada mal nesse departamento, conseguindo aliar isso a uma maior consistência global – pelo menos foi o que disse a mim próprio para desempatar esta contenda. Mas é, sem sombra de dúvidas, um excelente filme.

João Paulo Costa

VENENO (Poison) - 1991

2010-04-04T00:16:00.003+01:00

A primeira longa de Todd Haynes que, na realidade, é uma mescla de três curtas intercortadas de forma aparentemente aleatória ao longo de 90 minutos, é também uma louca bizarria inqualificável. Baseado em histórias do poeta e escritor francês Jean Genet, o filme aborda também cada uma delas de forma totalmente distinta a nível visual.

Uma delas (“Horror”), filmada a preto e branco, em tons de série B dos anos 50 debruça-se sobre um cientista que, após uma série de experiências na área da sexualidade, acaba por inadvertidamente se contaminar (e àqueles com quem se cruza) com uma praga fatal. É sem dúvida o mais bem conseguido dos três segmentos, e o que melhor se encaixa no tom de sátira que mais parece querer ressalvar do filme. Depois, temos uma espécie de fantasia homossexual passada numa prisão (“Homo”), filmada num estilo completamente distinto, a cores, mas também em modo retro que é sem dúvida a mais provocadora e controversa (e a que contém mais elementos biográficos de Genet), embora não totalmente eficaz – é evidente a sensação de que Haynes quer chocar e provocar o espectador, mas nem sempre essa opção parece devidamente justificada. Ainda assim, contém algumas imagens poderosas e uma liberdade artística sem quaisquer restrições. Finalmente, uma derradeira parte (“Hero”), rodada em jeito de reportagem televisiva sobre um perturbado rapaz desaparecido que, depois de assassinar o seu próprio pai, se sumiu a voar pelos céus como um anjo...

Poison será tudo menos um filme fácil e, mesmo na filmografia de alguém que assinou coisas como Velvet Goldmine ou I'm Not There, este destaca-se como um dos mais estranhos. “Horror” é, como referi atrás, aquele que mais me impressionou, pelo expressionismo das suas imagens e por ser aquele que melhor explora os temas centrais das narrativas (nomeadamente a exclusão e a marginalização de indivíduos). Os restantes terços são também globalmente interessantes, embora não tão empolgantes ou bem sucedidos (se bem que a maioria considere “Homo” como a melhor das três partes), mas como um todo, que é a forma como o filme nos é apresentado, parece-me sempre uma experiência fascinante de cinema definitivamente alternativo, mesmo tendo em conta as ocasionais quebras de ritmo provocadas pela mudança súbita entre histórias. Ainda assim, merece ser visto para além da polémica, ou do panfleto de filme gay com o qual foi marcado aquando da sua estreia. E se há coisa que Haynes prova desde a sua primeira obra, e à boa maneira dos autores da nouvelle vague décadas antes, é que consegue sempre imprimir um cunho pessoalíssimo e sem restrições a cada um dos seus títulos, ao mesmo tempo que mantém bem presente a História do cinema que o influenciou. Só por isso, vale sempre a pena.

João Paulo Costa

DESENCONTROS (We Don't Live Here Anymore) - 2004

2010-04-03T00:13:00.004+01:00

A curiosidade em ver We Don't Live Here Anymore já vinha desde há muito, praticamente desde que soube da sua existência e, mesmo desconhecendo por completo o trabalho do seu realizador, John Curran, o elenco era motivo mais do que suficiente para despertar o interesse: Mark Ruffalo, Laura Dern, Peter Krause e Naomi Watts. Só agora o consegui ver, e o veredicto é contraditório. Porquê? Bem, talvez porque este grupo de actores aliado a uma história adulta, sobre o casamento e a fidelidade, fizesse esperar o melhor. E, durante aproximadamente metade da sua duração, We Don't Live Here Anymore consegue ser um drama intenso sobre as dificuldades de relacionamento humano – não apenas amorosas, mas também sexuais e de amizade, tudo isso é posto em causa por um argumento inspirado por parte de Larry Gross. No entanto, chegados a certo ponto, a evolução das personagens e da sua situação parece, com algumas excepções pontuais, não existir, deixando a sensação de que se vai assistindo a mais do mesmo, com pequenas variantes que pouco ou nada acrescentam ao que ficou para trás. E, por arrasto, o que parecia inicialmente natural e perspicaz, acaba por se tornar redundante, mesmo tendo em conta a tentativa de passar a ideia de que estas personagens dificilmente mudarão, e inevitavelmente poderão acabar por cair nos mesmos erros.

Ainda assim, devo referir que o elemento que mais atraía no projecto acabou mesmo por ser o seu ponto de maior interesse. Ruffalo e Watts são duas das mais interessantes revelações que o cinema conheceu na década passada e conseguem interpretações memoráveis. Krause, que conhecemos como o mais velho dos irmãos Fisher em Six Feet Under é também impecável, à sua maneira. Laura Dern tem, no entanto, o trabalho mais ingrato, talvez por a sua personagem me ter parecido a menos interessante das quatro, embora a actriz aproveite da melhor forma todos os momentos em que se pode destacar. John Curran é suficiente esperto para perceber que deixando os actores brilhar seria sempre meio caminho andado para o sucesso, e assim disfarçar um pouco as deficiências do argumento. Além disso, há ainda uma mão cheia de pormenores de realização, nomeadamente na forma como enquadra as personagens nas suas composições widescreen que se revela francamente interessante. De resto, pouco mais há a destacar, e se está longe de ser perfeito, não deixa também de ser pertinente, e ideal para quem gosta de ver bons actores.

João Paulo Costa

50 FILMES DOS ANOS 2000: PARTE VII

2010-03-31T21:54:00.008+01:00

[PARTE I][PARTE II][PARTE III][PARTE IV][PARTE V][PARTE VI]

MYSTIC RIVER (2003), Clint Eastwood
Clint foi, sem dúvida, um dos realizadores da década, aquela que terá mesmo sido a sua melhor em termos da qualidade global dos seus filmes. Million Dollar Baby, Letters From Iwo Jima, Changeling ou Gran Torino poderiam perfeitamente figurar nesta lista, mas apetece-me destacar acima de todos os outros este Mystic River, título que além de incluir alguns momentos verdadeiramente assombrosos naquelas ruas sinistras de Boston (habituais nos romances de Dennis Lehane, autor do romance em que o filme se baseia), reúne também três excelentes interpretações de Sean Penn, Kevin Bacon e Tim Robbins isto, claro, além de ser também uma lição sobre como filmar um enredo policial, nunca descurando a dimensão humana das personagens em detrimento de twists fáceis.

OLDBOY (2003), Park Chan Wook
Segunda parte da trilogia da vingança criada por Park Chan Wook, Oldboy é também talvez um dos mais perturbantes filmes dos últimos 10 anos. Ao contrário do filme de Eastwood anteriormente mencionado, este tem muito do seu efeito depositado no twist final, mas ao contrário do que se possa dizer, este está longe de ser gratuíto. Há que ter é disposição para entrar neste doentio jogo de vingança. Oldboy é violento, certo, mas também bastante divertido e empolgante além de ser também um portento visual.

SARABAND (2003), Ingmar Bergman
Bergman deixou-nos em 2007, mas a sua obra permanecerá para sempre, imortal e inatacável. Saraband foi o seu derradeiro testemunho cinematográfico, numa revisitação das personagens às quais nos havia introduzido décadas antes em Cenas da Vida Conjugal. Regressam Erland Josephson e Liv Ullman aos respectivos papéis, e a eles juntam-se Börje Ahlstedt e Julia Dufvenius, numa história contada a quatro, plena de momentos intensos, elevados ao expoente máximo pelos diálogos fortes e pela precisão da encenação do mestre. Um digníssimo final de carreira para um dos maiores cineastas de todos os tempos.

KILL BILL (2003/2004), Quentin Tarantino
Foram necessários seis anos para que os fãs de Tarantino pudessem assistir ao seu novo filme depois do sublime Jackie Brown. Filme esse que, no final, acabou por resultar em dois, tal a ambição do projecto. E com Kill Bill, Tarantino acabou inclusivamente por mudar o rumo do seu próprio cinema, que nesta década se tornou mais visual e estilizado, continuando ainda assim a servir como um caldeirão de referências e citações cinematográficas. Kill Bill é diversão pura, uma história simples de vingança contada de forma épica, entre a exploitation e o western spaghetti, passando pelo cinema asiático de artes marciais e salpicada por outras pequenas pérolas, há aqui espaço para tudo isso e mais um pouco, sempre com marca de autor.

2046 (2004), Wong Kar Wai
Eu sei, eu sei. A escolha mais esperada nesta lista, tendo em conta a minha admiração por Wong Kar Wai seria Disponível para Amar, e sou o primeiro a admitir que não ficava mesmo nada mal por aqui. Mas a verdade é que sou ainda mais fã desta espécie de sequela, onde se revisitam as emoções reprimidas de um amor impossível e nunca consumado e respectivas memórias dolorosas, guardadas num local perigoso de visitar. Alguns dos mais poderosos planos da década saíram do olhar de Kar Wai e da câmara de Christopher Doyle, o seu habitual director de fotografia. Tony Leung nunca esteve tão bem. Ah, e tal como noutro filme da lista, O Tigre e o Dragão, Ziyi Zhang.

João Paulo Costa

OPERAZIONE PAURA - 1966

2010-03-30T23:36:00.006+01:00

Não é preciso ser-se um génio para perceber o fascínio que Operazione Paura, ou Kill, Baby, Kill, como ficou conhecido no mercado norte-americano, ainda hoje exerce sobre os adeptos do cinema de terror sobrenatural, e mesmo sobre alguns dos mais conceituados realizadores da actualidade, com Martin Scorsese à cabeça como fã confesso. À medida que vou aprofundando o meu conhecimento do cinema de Mario Bava, mais rendido fico aos seus encantos. A forma como trabalha aqui a cor e as sombras, e também como a sua câmara se movimenta dentro das cenas, não só o confirmam como um dos grandes estetas do Cinema, como também justificam a escola que praticamente criou no seu país, tendo gente como Dario Argento entre os seus principais discípulos. Cinema de baixo orçamento mas feito com grandes doses de criatividade, Operazione Paura é o melhor dos seus títulos que vi até ao momento, e parece-me que será mesmo aquele em que as suas qualidades como realizador atingem o expoente máximo. A história simples - uma pequena vila do séc. XIX assombrada pelo fantasma de uma jovem morta numa noite de farra - torna-se complexa pela forma como Bava a dirige, jogando na perfeição com os nossos medos e o ambiente sinistro de cenários barrocos em que envolve as personagens (Tim Burton é grande fã).

João Paulo Costa

PS - A revisitação dos filmes da década volta muito em breve.

50 FILMES DOS ANOS 2000: PARTE VI

2010-03-21T23:26:00.010Z

[PARTE I][PARTE II][PARTE III][PARTE IV][PARTE V]

21 GRAMAS (21 Grams/2003), Alejandro González Iñárritu
Em 2000, o mexicano Alejandro González Iñárritu apresentou-se ao mundo com o poderoso drama Amores Perros, filme que o lançou a ele, ao argumentista Guillermo Arriaga, ao director de fotografia Rodrigo Prieto e ao actor Gael García Bernal para a ribalta. O quarteto voltaria a colaborar em 2006 no excelente Babel mas, quanto a mim, 21 Grams permanece como o melhor trabalho do cineasta (e de todos os envolvidos, com excepção de Bernal que não participou neste), aquele em que a sua abordagem visual e a estrutura narrativa fragmentada melhor funcionam. Há também um conjunto de memoráveis interpretações a cargo de Sean Penn, Naomi Watts e Benicio Del Toro numa história de dor, perda, amor e morte. Uma poderosa experiência cinematográfica.

BROWN BUNNY (The Brown Bunny/2003), Vincent Gallo
Desde a sua estreia mundial no Festival de Cannes que o segundo filme de Vincent Gallo (e até agora último) como realizador se viu envolto em polémica. Era impossível na altura ler uma crítica ao filme (inclusive por parte de gente que parecia nem sequer saber quem era Gallo) onde não fossem dedicadas extensas linhas à famosa cena de sexo oral. Roger Ebert, um dos mais poderosos críticos de cinema americano considerou-o o pior filme da história do certame. Na verdade, o filme que Gallo escreveu, produziu, realizou, editou e fotografou, é uma obra peculiar, que decorre a um ritmo lento e exige muita paciência ao espectador. Mas é também muito mais do que fellatio. É um trabalho sobre a solidão e a dor da perda. E é também um filme sobre a América vista através de uma carrinha. Há planos que até hoje ainda não esqueci.

OS SONHADORES (The Dreamers/2003), Bernardo Bertolucci
Tendo a revolução estudantil de 1968 como pano de fundo, Bernardo Bertolucci ofereceu-nos um belo filme sobre o Cinema, ele próprio, como acto de revolução. The Dreamers é delicioso na forma como mescla a História com o Cinema, e cada um dos seus 120 minutos resulta numa declaração de amor pela Sétima Arte. As referências ao cinema da época são mais do que muitas, mas o filme também nos conquista pela forma como explora o turbulento processo de consumação do crescimento e descoberta sexual de um trio de jovens. E foi também com todo o prazer que a partir daí ficámos a conhecer melhor gente tão talentosa como Michael Pitt, Louis Garrel e Eva Green.

ELEFANTE (Elephant/2003), Gus Van Sant
Depois de alguma experiências mainstream com diferentes graus de sucesso (de O Bom Rebelde ao remake de Psycho), Gus Van Sant regressou às produções independentes que o tornaram famoso, e nas quais se manteve grande parte da década. Elephant, que juntamente com Gerry e Last Days compõe uma espécie de trilogia da morte (também pdoeríamos incluir o excelente Paranoid Park), é aos mesmo tempo um dos mais duros e poéticos olhares sobre a juventude americana, tendo como pano de fundo o massacre de Columbine. Há algo de magnífico na câmara do autor que transcende a tela e nos atinge com uma força inexplicável. Van Sant foi, sem grandes dúvidas, um dos realizadores dos anos 2000.

LOST IN TRANSLATION (2003), Sofia Coppola
Já muito se escreveu sobre esta pequena obra-prima de Sofia Coppola, mas a verdade é que Lost In Translation teima em não perder aquela ponta de charme que nos conquistou logo no primeiro visionamento, e em todos os posteriores. É um filme sobre olhares, sobre a comunicação, sobre a procura da identidade, tendo como pano de fundo uma metrópole ao mesmo tempo profundamente moderna mas ancorada em séculos de tradição. Bill Murray é verdadeiramente magnífico e Scarlett Johansson confirmou diante das câmaras o seu crescimento enquanto actriz e mulher. Enquanto Francis se foi perdendo em devaneios experimentais, a sua filha Sofia fez do minimalismo a sua grande arma (mesmo em obras aparentemente maiores como Marie Antoinette) e tornou-se numa autora de créditos firmados e numa das mais estimulantes cineastas dos últimos anos.

João Paulo Costa

UM HOMEM SINGULAR (A Single Man)

2010-03-20T00:28:00.005Z

Se outros méritos não tivesse, o filme de estreia de Tom Ford na realização mostra-nos que existe algo mais no mundo da moda do que forma sem conteúdo. Ford, um dos mais reputados estilistas mundiais, assina aqui um interessante trabalho sobre a solidão, o envelhecimento e a morte (que ensombra cada plano do filme), pelos olhos de um professor de inglês em crise pessoal depois da perda do seu amante de 16 anos num brutal acidente de automóvel. E nem mesmo os seus desvarios estilísticos típicos de primeira obra diminuem o impacto do resultado final, muito por culpa da intensa composição de Colin Firth, que eleva o filme a um patamar ao qual, sem a sua presença, dificilmente chegaria. George, o homem singular do título, é um britânico bem educado a trabalhar na Califórnia em plena época da Guerra Fria, e o estado de desespero que paira sobre o planeta reflecte também a sua agonia interior, enquanto as memórias da sua vida passada (a sua relação aparentemente perfeita com Jim, ou o susto de uma recente paragem cardíaca) insistem em ensombrar o presente. Pouco mais lhe resta do que a sua amiga conturbada e alcoolizada Charley (grande Julianne Moore), com quem manteve uma relação sentimental no passado, ou Kenny, um dos seus alunos (Nicholas Hoult, lembram-se dele como o boy de About a Boy?), dos poucos a mostrar real interesse pelos seus ensinamentos.

Ford revela um verdadeiro olho de cineasta, e isso mesmo é de louvar, numa altura em que muito do cinema que vemos parece menos interessado em realçar as suas qualidades cinemáticas do que em simplificar a sua linguagem para mais simples digestão. Ora, digestão simples será a última coisa que me ocorre dizer acerca de A Single Man, e essa é ao mesmo tempo a sua maior força e a sua principal fraqueza. Há ali planos de uma inegável beleza, não apenas plasticamente atraentes, como também perfeitamente enquadrados no universo emocional da sua personagem, e Ford nunca trai a sua visão inicial: o olhar da câmara é também o olhar do seu protagonista. Ainda assim, há também momentos em que o realizador se deixa levar pelo desejo excessivo do experimentalismo sem um critério claramente definido, como um jovem entusiasta a testar os limites de um novo brinquedo. A montagem, mesmo com o intuito de espelhar a psíque do protagonista, e embora tenha rasgos de inspiração, principalmente na forma como lida com as memórias de George, é também por vezes desnecessariamente fragmentada e aleatória, com especial destaque para os irritantes planos debaixo de água.

Ainda assim, nada que nos desvie do fundamental: A Single Man é uma obra mergulhada num desespero asfixiante e numa melancolia dolorosa, visualmente interessante, ancorada numa das melhores interpretações que iremos ver este ano, e com uma banda sonora também ela belíssima, de Abel Korzeniowski e Shigeru Umebayashi, este último habitual colaborador de Wong Kar-Wai, uma das aparentes influências do realizador americano. Tom Ford é, a partir de agora, um cineasta que seguirei com particular atenção e, aprendendo a controlar esses impulsos, poderá também ele tornar-se num caso singular de sucesso.

PS – E que dizer sobre aquela deliciosa utilização de um outdoor de Psycho na cena em que George encontra o rapaz espanhol? Nem sequer essa citação existe por motivos meramente decorativos, mas sim para provocar um certo desconforto no espectador no início da cena, quando os motivos da personagem ainda não estão bem esclarecidos.

João Paulo Costa

50 FILMES DOS ANOS 2000: PARTE V

2010-03-18T00:02:00.009Z

[PARTE I][PARTE II][PARTE III][PARTE IV]

DOLLS (2002), Takeshi Kitano
Posso estar sozinho, ou praticamente sozinho na minha apreciação por este Kitano, mas a verdade é que a experiência do seu visionamento me marcou mais do que esperava e, diria mesmo, mais do que me apercebi imediatamente após sair da sala de cinema. Foram necessários dias, semanas, e talvez anos até me aperceber do poder das imagens e da(s) história(s) que este nos conta. Histórias de amores condenados, sem pingo de sentimentalismo manipulador. Fecho os olhos e recordo os amantes presos em direcção a nada mais senão aos próprios; ou aqueles que se esperam num banco de jardim; ou aquele capaz de tudo para estar com a mulher que adora... Nunca o revi, mas tenho-o sempre bem presente.

LONGE DO PARAÍSO (Far From Heaven/2002), Todd Haynes
Julianne Moore nunca esteve tão bem – e olhem que eu sou grande fã – como está neste título de Todd Haynes, uma revisitação do universo do melodrama de Douglas Sirk, onde tudo parece e soa como o cinema dos anos 50, mas sempre abordado de uma perspectiva actual. E o melhor é que a suprema estilização de Haynes nunca se sobrepõe à narrativa ou ao trabalho do fabuloso elenco, que conta ainda com Dennis Quaid, Dennis Haysbert e Patricia Clarkson. Recriação de (cinema) de época, música e fotografia geniais, argumento inteligentíssimo e Cinema que não se esquece facilmente.

FEMME FATALE (2002), Brian De Palma
Os temas fundamentais de De Palma estão bem presentes em Femme Fatale, um trabalho recheadinho daqueles excessos deliciosos que a maior parte dos realizadores actuais evita a todo o custo, mas em que o americano é perito. Tudo começa em pleno Festival de Cannes, onde decorre um assalto. 7 anos mais tarde, as personagens reencontram-se em Paris para um jogo de sedução e intriga, bem ao jeito do clássico film noir, mas com as regras próprias de um autor sempre apostado em explorar ao máximo a forma e a técnica cinematográficas. Redacted, The Black Dahlia e, em menor escala, Mission to Mars foram outros dos belos títulos que a década nos ofereceu, mas Femme Fatale é aquele em que ele joga com os seus maiores trunfos.

FALA COM ELA (Hable Con Ella/2002), Pedro Almodóvar
O filme quase perfeito e, em minha opinião pessoal, o melhor Almodóvar de sempre. Rodado com uma precisão cirúrgica, Hable Con Ella é um autêntico bailado de emoções genuínas e profundamente humanas, até porque contraditórias. As cores, os planos, a música, ou mesmo a forma como Almodóvar consegue filmar corpos e rostos atingem aqui o seu pico máximo. E todo o elenco é magnífico, com especial destaque para Javier Cámara, capaz de nos levar a todos às lágrimas. Melhor do que isto é quase impossível.

CAMINHO PARA PERDIÇÃO (Road to Perdition/2002), Sam Mendes
Desde que se estreou nas lides da realização com o sucesso de American Beauty a todos os níveis, Sam Mendes tem vindo a ser olhado por muitos com uma desconfiança estranha. Pessoalmente, considero-o um dos mais interessantes autores a sair do cinema britânico nas últimas décadas. Road to Perdition é uma história de gangsters na linha dos grandes clássicos e, não sendo um filme que transborde perfeição, não empalidece de forma alguma diante das suas citações. Há planos de uma beleza pictórica impressionante, para muito contribuindo a luz do falecido génio Conrad Hall, mas acima de tudo há uma narrativa contada sempre com o plano humano em lugar de destaque. E foi também a última vez que vimos Paul Newman diante das câmaras, num papel que revela todo o alcance do seu imortal talento.

João Paulo Costa

O MENSAGEIRO (The Messenger)

2010-03-16T23:15:00.004Z

Tal como sempre me tinha parecido, The Messenger revelou-se um sólido filme de grandes actores. Visualmente muito contido, Oren Moverman deixa o elenco brilhar, e o seu argumento evoluir até ao ponto certo. O que neste caso equivale a dizer até ao ponto em que... tudo fica na mesma. A câmara de Moverman regista momentos, permanece próxima dos actores, mas nunca demasiado próxima. Aliás, o distanciamento entre a objectiva e os corpos sempre me pareceu perfeito, sem emitir julgamentos morais nem apelar à empatia. As coisas simplesmente acontecem diante dos nossos olhos. E o que acontece? Dois militares americanos andam de casa em casa a informar famílias de soldados enviados para o Iraque de que estes foram mortos em combate. Lêem um guião formatado e impessoal, entrando e saindo na vida destas pessoas como um furacão, destruindo tudo pelo caminho. Depois, entre uma viagem e outra, vê-mo-los em casa, sozinhos, ou num bar tentando afastar a solidão. Vê-mo-los deslocados de uma sociedade que parece ter deixado de ter lugar para eles.

Não quero com isto dizer que o considere uma obra-prima, nem tão pouco um grande filme, mas é de louvar a existência de objectos tão humanos numa altura em que a malta parece toda andar virada para os artifícios do 3D. Aqui os efeitos especiais são os fabulosos Woody Harrelson, devidamente destacado na temporada de prémios, e Ben Foster, actor que desde que vi em Sete Palmos de Terra tenho mantido debaixo de olho. E não podemos esquecer também as participações de Steve Buscemi (em duas pequenas cenas particularmente fortes) e de Samantha Morton. Marcou-me especialmente o olhar desencantado que se deita sobre esta América, sem deslumbre, sem cor, apenas ferida no seu núcleo. Sem ser directamente político (felizmente), também não deixa de o ser. Daí que o derradeiro plano do filme seja particularmente forte, espelhando o presente de um país, e de certa forma antecipando o seu futuro, não sendo nem pessimista nem optimista. Não esclarecendo nem confundindo. Há um corte para o negro, entram os créditos e o mundo continua.

João Paulo Costa

Take - Cinema Magazine

2010-03-15T19:59:00.003Z

Já se encontra online a mais recente edição da Take, a 22ª, que celebra também o seu segundo aniversário. Penso que vale bem a pena, começando logo pela capa. Leiam, participem nos passatempos, comentem e continuem a ajudar-nos a crescer.

João Paulo Costa

ESTADO DE GUERRA (The Hurt Locker)

2010-03-12T23:47:00.003Z

O tão aclamado Filme do Ano para as gentes do outro lado do Atlântico. Um bom filme, bastante sólido, com uma excelente interpretação central de Jeremy Renner (e uma secundária de Anthony Mackie que, vá-se lá saber porquê, passou ao lado de tudo e todos enquanto o filme conquistava prémios), uma estrutura bastante consistente e belos momentos de acção, tal como Kathryn Bigelow nos tem vindo a habituar ao longo da sua carreira a filmar histórias de homens. Não posso dizer que a minha opinião pessoal seja partilhada com a do colectivo de profissionais da indústria americana que o decidiu premiar, mas percebo perfeitamente o fascínio que o filme exerce por aquelas bandas, especialmente por se debruçar sobre um tema forte e actual, sem ser declaradamente político ou pregador. Gostei disso, assim como gostei da secura do tom e da encenação realista das cenas de acção (embora passasse bem sem alguns excessos estilísticos que me pareceram bastante discutíveis). Quanto a Oscares, este ano nem passei perto deles, mas embora tivesse outros favoritos, sempre me parece um claríssimo passo em frente depois do vencedor anterior. Alguém se lembra dele?

Em Dezembro escrevi isto sobre o filme:

"Depois de ter passado discretamente pelas salas nacionais em Setembro deste ano, Estado de Guerra prepara-se para voltar aos ecrãs assim que surgirem as primeiras indicações para os principais prémios cinematográficos no início de 2010, encontrando-se inclusivamente entre os favoritos para a próxima cerimónia dos Oscares. Em boa verdade, este trabalho da realizadora Kathryn Bigelow é um bastante incisivo olhar sobre um grupo de soldados da brigada de minas em missão no Iraque. Rodado com um orçamento relativamente baixo para os padrões americanos, o filme consegue ainda assim criar alta tensão não tanto com encenações explosivas de guerra (que também as tem), mas antes com o trabalho sobre o suspense que paira em cada missão, e a exploração que faz dos conflitos interiores das suas personagens."

Texto publicado na revista Tribuna Douro, em Janeiro de 2010.

João Paulo Costa

50 FILMES DOS ANOS 2000: PARTE IV

2010-03-12T00:13:00.008Z

[PARTE I][PARTE II][PARTE III]

MULHOLLAND DRIVE (2001), David Lynch
Originalmente concebido para televisão, Mulholland Drive acabou por se tornar num dos mais impenetráveis e ainda assim mais fascinantes filmes de David Lynch e de toda a década. Com uma estrutura completamente lynchiana (ou seja, a roçar o incompreensível), somos levados numa viagem pela mente da sua protagonista, uma jovem aspirante a actriz que encontrou na cidade dos sonhos a origem dos seus maiores pesadelos. Mulholland Drive é um asfixiante, assustador e bizarro olhar sobre o mundo do cinema em Los Angeles, não o das luzes, mas o das sombras. E o espectador, mesmo não tendo a certeza do que está a acontecer diante dos seus olhos, é completamente sugado para aquele universo negro. Este foi também o filme que revelou ao mundo essa imensa força da Natureza que é Naomi Watts, também ela um dos destaques desta última década, tão bem acompanhada por gente como Laura Harring, Justin Theroux ou Ann Miller.

OS TENENBAUMS (The Royal Tenenbaums/2001), Wes Anderson
Quem me conhece bem, sabe que esta seria muito provavelmente a minha escolha para filme da década. Wes Anderson conseguiu aqui atingir a total perfeição para a qual os seus primeiros filmes apontavam, criando uma obra-prima que não me canso de ver e rever. No cinema de Anderson, tudo parece pensado ao milímetro, não havendo pormenor que escape ao seu olhar clínico, seja a posição de um figurante no fundo do plano, seja um mero adereço aparentemente imperceptível. A mais disfuncional das famílias americanas é composta por Gene Hackman, Anjelica Huston, Ben Stiller, Luke Wilson e Gwyneth Paltrow, todos ao nível do melhor que alguma vez fizeram nas respectivas carreiras (sim, mesmo Hackman e Huston) e é tão trágica como hilariante. Grande argumento de Anderson e Owen Wilson, grande realização, grande banda sonora, grande filme.

A ÚLTIMA HORA (25th Hour/2002), Spike Lee
Spike Lee pode ser um dos mais controversos realizadores americanos dos últimos 25 anos (só comparável a Oliver Stone nesse departamento), mas é também extremamente talentoso, assinando grandes obras com uma regularidade impressionante. Este filme, passado durante as últimas 24 horas de liberdade de um homem antes de cumprir uma pena de 7 anos por tráfico de drogas é de uma intensidade impressionante. Foi também o primeiro grande filme americano a lidar directamente com as feridas do 11 de Setembro e tem como força maior o argumento de David Benioff, adaptado do seu próprio romance, que recusa qualquer tipo de sentimentalismo forçado, compreendendo na perfeição as suas personagens e o ambiente que as rodeia. Lee assina sequências de notável mestria visual, e todo o elenco é perfeito. Não se pode pedir muito mais.

INADAPTADO (Adaptation/2002), Spike Jonze (& Charlie Kaufman)
A segunda colaboração entre Spike Jonze e Charlie Kaufman, depois da parceria de ambos em Being Joh Malkovich é uma deliciosa visão sobre a indústria do cinema e, mais do que isso, sobre o processo criativo. Kaufman, além do argumentista do filme, é também o seu protagonista (interpretado por um Nicolas Cage em grande), ou seja, um argumentista em plena crise criativa numa altura em que tem contrato assinado para entregar ao estúdio o seu mais recente guião, embora não tenha ainda qualquer palavra escrita. Meryl Streep, Brian Cox e Chris Cooper são perfeitos como versões ficcionalizadas de personagens reais, e o filme é um maravilhoso exercício sobre... a sua própria génese. Jonze é o homem perfeito para levar esta história a bom porto, e Kaufman assina aqui o seu grande argumento (a par de Eternal Sunshine of the Spotless Mind, que deveria estar na lista, mas que dá o seu lugar a este, aproveitando para fazer aqui a respectiva vénia ao filme de Michel Gondry).

CIDADE DE DEUS (2002), Fernando Meirelles
O filme que voltou a colocar o cinema brasileiro nos olhos do mundo, décadas depois de gente como Glauber Rocha ou Héctor Babenco o terem feito. Fernando Meirelles viria a assinar outras obras de mérito nos anos 2000, como The Constant Gardener ou Ensaio Sobre a Cegueira, com outros meios e orçamentos, mas foi Cidade de Deus, rodado quase como um documentário sobre o problemático mundo das favelas do Rio de Janeiro que o colocou no mapa, e lhe valeu elogios de gente tão distinta como por exemplo Martin Scorsese. Não é de estranhar a admiração de Scorsese pelo filme de Meirelles, uma vez que o ritmo das ruas que o brasileiro capta está muito próximo daquilo que o americano tem vindo a imprimir ao seu cinema desde Who's That Knocking at My Door. E o próprio Meirelles assume que GoodFellas é a sua bíblia cinematográfica. Com um mestre destes, seria difícil errar.

João Paulo Costa

50 FILMES DOS ANOS 2000: PARTE III

2010-03-06T16:39:00.010Z

[PARTE I][PARTE II]

MUNDO FANTASMA (Ghost World/2001), Terry Zwigoff
Baseado na BD de Daniel Clowes, Ghost World é cínico, dramático e verdadeiramente hilariante. Zwigoff assinaria dois anos mais tarde o também delicioso (e deliciosamente subversivo) Bad Santa, mas é Ghost World o filme que mais se destaca pelo tom seco ao serviço de um universo cinematográfico muito particular, onde Enid (Thora Birch), uma jovem alternativa (e nem sempre particularmente simpática, como qualquer adolescente na sua idade) procura o lugar no mundo. E, convém não esquecer, Steve Buscemi tem aqui talvez a sua melhor composição como um loser inenarrável, coleccionador de discos antigos.

GOSFORD PARK (2001), Robert Altman
Altman sempre foi um dos meus realizadores de eleição e, senão o pai, pelo menos o principal impulsionador de um tipo de cinema bastante próprio, repleto de inúmeras personagens que contavam na sua maior parte histórias colectivas, quase todas com um mordaz olhar de sátira social. O filme altmanesco por excelência, embora tenha brilhado noutros registos, e chegado mesmo a assinar títulos com... um só nome em todo o elenco. Deixou-nos em 2006, e atrás de si um legado repleto de belos filmes, do qual Gosford Park terá sido um dos melhores espécimes. Uma trama policial e social situada num fim-de-semana no campo, na Inglaterra de 1932, recheada de grandes interpretações, drama e humor mordaz.

O BARBEIRO (The Man Who Wasn't There/2001), Ethan Coen & Joel Coen
Década de altos e baixos para os Coen, foi ainda assim aquela em que se consagraram definitivamente entre os maiores da sua geração. Filmes como No Country For Old Men ou o recente A Serious Man são disso o exemplo perfeito, embora esta escolha seja a que, pessoalmente, mais me enche as medidas. Ed Crane, o barbeiro protagonista desta história é uma monumental personagem Coen, num filme onde se move quase como um silencioso fantasma de carne e osso enquanto todos à sua volta falam demasiado. Numa toada lenta, entre a comédia mais absurda e a tragédia noir, é um filme bizarramente marcante e visualmente, fotografado em glorioso preto e branco pelo genial Roger Deakins, dos mais impecáveis da década.

MONSTROS E COMPANHIA (Monsters, Inc./2001), Pete Docter
É, quanto a mim, o grande título da Pixar! Tal afirmação exige coragem, tendo em conta a qualidade dos estúdios de animação e da sua filmografia, mas ainda acho que Monsters, Inc. é o que melhor consegue aliar o sentido de aventura e humor, divertindo públicos de todas as idades. Tem grandes personagens e todo um universo que adoro redescobrir a cada novo visionamento, além de que também possui uma das melhores sequências cinematográficas da década: a perseguição através das portas interdimensionais. Resumidamente... uma delícia.

MOULIN ROUGE! (2001), Baz Luhrmann
Pois, eu sei... Há quem adore, há quem deteste. Há quem se sinta contagiado pelo ritmo frenético que Baz Luhrman imprime aos seus filmes, e há quem saia da sala com vontade de vomitar. Pois eu admito que... já o vi mais vezes do que aquelas que gostaria de admitir, e que sou capaz de acompanhar o elenco nas suas inúmeras cantorias, embora com uma voz muito pouco recomendável. O australiano reduz a narrativa às suas unidades fundamentais (homem apaixona-se por puta, que por sua vez o ama, mas não sabe escolher entre o amor e os cifrões de um homem mais rico que a deseja) e apresenta-nos um espectáculo musical frenético, com um ritmo quase Looney Tunes com gente para todos os gostos (Beck e Aguilera, Massive Attack e... Valeria) na banda sonora. E há também uma grande interpretação de “The Show Must Go On”, dos Queen, que me deixa sempre arrepiado. O resultado: kitsch. E eu gosto. Imenso.

João Paulo Costa

ALICE NO PAÍS DAS MARAVILHAS (Alice in Wonderland)

2010-03-06T00:16:00.005Z

Tim Burton é um daqueles autores cujo estilo pode ser identificado a léguas de distância em qualquer filme que carregue a sua assinatura. nas personagens marginalizadas, nos décors barrocos, nos movimentos e ângulos de câmara específicos... Mas apesar de todas estas marcas, será que isso é o suficiente para o sucesso do resultado final? Como Sweeney Todd infelizmente já provou recentemente, a resposta é negativa, num projecto em que os rasgos de genialidade de um realizador que tem o cinema no sangue eram ofuscados por alguns problemas graves (no caso daquele, os intermináveis, repetitivos e pouco inspirados números musicais e uma excessiva colagem às suas raízes de palco). Ainda assim, o seu mais recente trabalho é um passo em frente.

Em Alice in Wonderland, Burton até se adapta muitíssimo bem ao universo de Lewis Carroll, e o sombrio país das maravilhas parece encaixar que nem uma luva na sua sensibilidade estética. O problema maior encontra-se, contudo, num argumento mecanizado em que tudo acontece por acontecer e as personagens são conduzidas do ponto A para o ponto B por exigência narrativa, com motivações atiradas para o ar quando mais convém ao guião (o flashback em que o Chapeleiro justifica o seu depressivo estado de espírito é disso um grande exemplo). O resultado? Personagens subdesenvolvidas, com excepções, nomeadamente os freaks deliciosamente excessivos de Helena Bonham Carter e Johnny Depp, o que equivale a dizer a Rainha de Copas e o já mencionado Chapeleiro, típicas da galeria do realizador. Alice, interpretada pela talentosa Mia Wasikowska, é também ela uma outsider, mas a insistência no sonho e na ideia do escapismo da sua personagem aos problemas do mundo real são-nos demasiadamente martelados, onde nem a justificação de uma possível aproximação ao publico mais jovem faz qualquer sentido. Depois, personagens como a Rainha Branca de Anne Hathaway, mais não são do que mero acessório simbólico, sem muito que fazer em toda a trama.

E porque Alice in Wonderland foram criados de raíz a pensar na moda do 3D que Avatar recuperou para o mainstream depois de décadas arredado a um canto, e porque o próprio Burton admite ter sido esse o principal motivo que o levou a assinar o filme, acaba por se tornar inevitável a comparação. Curiosamente, tudo para percebermos que ambos partilham muitas virtudes e defeitos. Será inegável o impacto que a terceira dimensão causa no espectador e, embora ocasionalmente se possa tornar incomodativa (a mim, os primeiros minutos com óculos por cima de óculos causam algum desconforto), é também uma experiência divertida, e de facto acrescenta um elemento extra para explorar. Ou então, um elemento capaz de levantar novos problemas. Em ambos os casos, é impossível ignorar o deslumbramento excessivo dos autores a brincar com a sua nova ferramenta, prolongando planos apenas para deixar o 3D brilhar, ou forçando perspectivas sem justificação visual aparente, apenas para dar a ideia de profundidade. Claro que o talento de Burton e Cameron acaba por se sobrepôr a tais distracções, mas estas nunca deixam totalmente de ser um problema. Para além disso, a estrutura narrativa parece ter sido tirada a papel químico, de forma a espremer toda a “espectacularidade” possível – personagens chegam a um novo mundo, ficam maravilhadas, fogem pelo meio da floresta de uma criatura temível, passam incógnitas enquanto descobrem esse novo mundo, aliam-se a uma facção para uma batalha final, tornando-se em heróis.

Por outro lado, e para os interessados, parece também claro que os efeitos digitais ganham um novo sentido e uma nova importância na sensação de realismo que conferem aos universos criados. Assim, ao mesmo tempo, podemos deliciar-nos com a bizarria das formas da Rainha de Copas ou de Tweedledee e Tweedledum (o hilariante Matt Lucas de Little Britain) e sentir que são parte orgânica do mundo que habitam – nisso, Burton sempre foi irrepreensível. Tal como é irrepreensível o burlesco das situações que vai criando nos momentos de maior inspiração, quase todos eles na corte da Rainha de Copas. Sem deslumbrar muito tendo em conta o talento envolvido, uma vez que Burton parece sempre mais preocupado em tornar o seu universo acessível ao grande público do que se lançar por caminhos mais negros (pressões da Disney?), é ainda assim uma experiência a ter em conta, embora ainda não seja desta que o realizador americano regressa às obras-primas que foi assinando ao longo dos anos 90.

João Paulo Costa

50 FILMES DOS ANOS 2000: PARTE II

2010-03-04T22:35:00.011Z

[PARTE I]

MEMENTO (2000), Christopher Nolan
Antes de Christopher Nolan se tornar num dos homens mais poderosos da indústria, era um dos mais excitantes autores da cena independente. Com uma tendência forte para entrar na mente perturbada dos seus protagonistas, seja através das insónias de Al Pacino em Insomnia ou da amnésia de Guy Pearce em Memento (as primeiras imagens do trailer do seu próximo trabalho, Inception, parecem ir no mesmo sentido), filme que o revelou ao mundo depois de uma obra de estreia pouco conhecida (Following) e que tem como ponto forte a sua narrativa fragmentada (ancorada na amnésia do seu protagonista), num sentido cronologicamente inverso, e com uma engenhosa trama de mistério e vingança. É, ainda assim, um grande e trágico filme que vai muito além do que os meros malabarismos da história.

YI YI (2000), Edward Yang
Um revisionamento parcial há relativamente pouco tempo fez-me perceber que ainda tinha bem presente o derradeiro filme do Chinês Edward Yang, ao qual não deitava os olhos desde que o vi pela primeira vez na altura da sua edição em DVD. O ritmo é lento e contemplativo, mas o olhar da câmara, a história de uma família como qualquer outra, os temas e as personagens são tão autênticos que fazem com que as quase três horas de duração passem quase sem darmos elas.

INTELIGÊNCIA ARTIFICIAL (A.I.: Artificial Inteligence/2001), Steven Spielberg
Condenado à partida por ser o projecto não concretizado em vida por Kubrick, Spielberg teve de aturar a ira de fãs desgostosos por ter feito um filme tão perfeitamente... seu, bem como uma série de equívocos sobre o seu final que muitos dizem ser feliz e cor de rosa, quando na verdade o seu negrume reflecte toda a tragédia da condição humana. Esta história futurista sobre um robô com a capacidade de amar é não apenas o melhor filme do autor esta década (em que se apresentou em grande forma, salvo um ou dois “equívocos”), como certamente deixaria orgulhoso o mentor original do projecto. E Haley Joel Osment e Jude Law são tremendos, brilhando mais do que qualquer efeito especial.

DONNIE DARKO (2001), Richard Kelly
Richard Kelly parece condenado a tornar-se num cineasta marginal, depois dos falhanços comerciais e críticos tremendos do seu segundo e terceiro filmes, Southland Tales e The Box, mas a verdade é que foi também na margem que criou um dos mais autênticos filmes de culto da década. Donnie Darko é um filme sobre realidades paralelas, alucinações e viagens no tempo, nem sempre claro nos seus caminhos, mas constantemente fascinante. É também um grande filme sobre a adolescência, a família, e uma época muito particular da América. Kelly tem olho de cineasta e uma ambição sem limites, que lhe tem valido dissabores na indústria cinematográfica, mas até ao momento, é um dos realizadores a seguir mais atentamente aqui no burgo. Em muitos aspectos, o Terry Gilliam do novo século.

O FABULOSO DESTINO DE AMÉLIE POULAIN (Le Fabuleux Destin D'Amélie Poulain/2001), Jean-Pierre Jeunet
Aquando da sua estreia, terá sido dos mais adorados e influentes títulos, embora o tempo pareça ter feito alguns esquecer-se da sua inegável beleza. É um filme colorido, sem vergonha de ser bonito, romântico e mesmo disparatado. O mundo fabuloso de Amélie Poulain, criado pelo sempre admirável Jean-Pierre Jeunet leva o artifício do cinema ao limite, e sai a ganhar. E, além do mais, foi o filme que deu a conhecer ao mundo a adorável Audrey Tautou. E o mundo agradeceu.

João Paulo Costa

DUPLO AMOR (Two Lovers)

2010-03-04T00:29:00.002Z

Depois de três títulos onde explorava o submundo do crime e as suas personagens, o realizador James Gay desvia a sua atenção para outras águas, com esta história de um homem depressivo (Joaquin Phoenix, no seu melhor tal como sempre que se encontra às ordens do realizador) que, depois de abandonado pela noiva, se encontra à beira do suicídio. Quando a vida o cruza com duas beldades muito diferentes – a filha do sócio do seu pai (Vinessa Shaw) e a nova e igualmente perturbada vizinha (Gwyneth Paltrow) – ele tentará reecontrar um rumo pessoal, o que implica também escolher entre uma das mulheres... Duplo Amor é um belo filme sobre pessoas e escolhas, adulto, sério e de emoções reprimidas prestes a explodir, e é também uma excelente alternativa para aqueles que procuram algo mais para ver para além dos romances cor-de-rosa e descartáveis de Verão. Gray é cada vez mais um cineasta a descobrir, herdeiro da tradição dos grandes realizadores clássicos americanos.

Texto adaptado de um originalmente publicado na revista Tribuna Douro (Agosto de 2009)

João Paulo Costa

50 FILMES DOS ANOS 2000: PARTE I

2010-03-02T23:18:00.018Z

Este é o primeiro de 10 posts onde irei destacar alguns dos filmes que mais marcaram a década cinematográfica. Obviamente, todas estas são escolhas pessoais (até a década, que muitos defendem só terminar este ano, mas esta é a minha década, os 10 anos que passaram entre 2000 e 2009), e esqueçam qualquer lógica quando encontrarem um título que na altura não mereceu grande destaque da minha parte, ou perceberem que outro que tenha merecido não encontra aqui o seu lugar. 10 anos são muito tempo, e os filmes, tal como nós (à excepção da Michelle Pfeiffer), também envelhecem. Uns melhor do que outros. E aposto que no final vou perceber que me esqueci de alguns obrigatórios. Foi apenas escolhido um filme por realizador, e a ordem é meramente cronológica.

Aqui vai disto:

QUASE FAMOSOS (Almost Famous/2000), Cameron Crowe
Cameron Crowe é daqueles realizadores incapazes de um momento de desonestidade emocional. Seja a realizar um remake com Tom Cruise como Vanilla Sky, seja a conduzir um filme autobiográfico sobre os seus tempos de repórter para a Rolling Stone quando tinha apenas 15 anos como em Almost Famous. A época, a música, as personagens, a vida, tudo é aqui retratado com um encantamento ao qual é difícil resistir. Um dos melhores filmes da década sobre o crescimento.

DANCER IN THE DARK (2000), Lars von Trier
Quem me conhece, sabe também que a minha relação com Lars von Trier é bastante instável. A diferença entre adorar um título como Dancer in the Dark e desprezar outro como DogVille é bastante curta, mas é a minha realidade. Neste filme, Björk é magnífica como a atormentada Selma, e o equilíbrio perfeito entre a nossa ligação emocional com a personagem e o negrume da visão do autor. O final é das coisas mais dolorosas que a última década nos ofereceu.

A VIDA NÃO É UM SONHO (Requiem For a Dream/2000), Darren Aronofsky
Por falar em experiências dolorosas no cinema dos anos 2000... Segundo filme de Aronofsky depois do muito interessante Pi, Requiem For a Dream é uma psicadélica viagem ao mundo do vício e das drogas, baseado num romance de Hubert Selby Jr. Tem também dos emocionalmente mais insuportáveis finais da década, e interpretações de uma força descomunal, de onde sobressai a magnífica Ellen Burstyn. Entre este e The Wrestler foi difícil escolher, mas prevaleceu o primeiro, quanto mais não seja porque foi um título a que recorri diversas vezes nos últimos anos e visualmente até se tornou num dos mais influentes da década.

TRAFFIC - NINGUÉM SAI ILESO (Traffic/2000), Steven Soderbergh
A grande realização de Soderbergh dos anos 2000 (seguida de perto por The Good German e Che) ao serviço de uma história forte sobre o tráfico de drogas e respectiva política de combate. Título repleto de histórias paralelas e de proezas técnicas que nunca se sobrepõem à narrativa, bem como de interpretações particularmente fortes, Traffic destaca-se pela crueza da representação do mundo sobre o qual se debruça e, obviamente, por toda a sua qualidade. Stephen Gaghan, argumentista cuja admirável ambição pode ocasionalmente resvalar para a descontrolo narrativo (Syriana) tem também ele de merecer rasgados elogios pela forma como consegue juntar todas as pontas numa teia complexa sobre uma guerra sem fim.

O TIGRE E O DRAGÃO (Wo Hu Cang Long/2000), Ang Lee
Para muitos, Ang Lee atingiu o pico da sua carreira em 2005 quando assinou Brokeback Mountain. Pessoalmente, acho que nada do que Lee assinou como realizador supera a beleza visual deste seu wuxia de 2000. Épico, com um sentido de aventura e acção que em minha opinião deixa obras como The Lord of The Rings ou Avatar a considerável distância, O Tigre e o Dragão, tal como é conhecido entre nós, é também um dos mais sobrebamente coreografados títulos desta década, nunca deixando no entanto a sua beleza visual sobrepor-se às emoções que polvilham a história.

João Paulo Costa

SHUTTER ISLAND

2010-02-28T00:31:00.005Z

Depois de vencer o tão adiado Oscar de Melhor Realizador por The Departed, Martin Scorsese terá tido a consagração pessoal desejada (que o próprio, de resto, sempre assumiu), depois de uma carreira fabulosa feita sempre entre o cinema marcadamente pessoal e as regras de Hollywood. Nesta fase da carreira, Scorsese pode fazer o que bem entender, que nada nem ninguém poderão ofuscar a série de obras-primas que assinou ao longo das mais de quatro décadas ao serviço do Cinema, e quando muitos possivelmente pensavam que o autor nova iorquino iria optar por um projecto mais pessoal (como Silence, obra de que o próprio fala há vários anos e sonha ainda vir a realizar), este optou por um filme de género, com uma narrativa e meios de produção típicos da indústria americana. O resultado é este título baseado num romance misterioso de Dennis Lehane, autor de Mystic River ou Gone Baby Gone, que nas mãos de um qualquer tarefeiro se poderia tornar num thriller banal, mas que nas de um mestre como Scorsese se revela como algo muito mais complexo. Até num projecto “de encomenda” como Shutter Island, se percebe que um verdadeiro autor nunca deixará de o ser.

Em 1954, Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio), um agente federal e veterano de guerra perturbado pela morte da sua mulher (Michelle Williams) e pela desumanização que presenciou nos campos de batalha e de concentração enquanto ajudava a libertar a Europa da invasão nazi, e Chuck Aule (Mark Ruffalo), o seu novo parceiro de investigação, dirigem-se para Ashecliffe, o hospital psiquiátrico numa ilha isolada, a Shutter Island do título, de forma a investigar o desaparecimento de uma instável e perigosa paciente. Lá chegados, encurralados por uma violenta tempestade e perturbados pela falta de cooperação por parte dos médicos, irão levar a cabo a sua investigação, à medida que vão descobrindo novas pistas sobre o paradeiro da paciente e os sinistros métodos de tratamento dos mesmo, também mergulhando num ambiente de loucura extrema.

Aquilo que mais fascina neste projecto apenas aparentemente tão atípico no corpo da obra do realizador, é a forma como cada plano, cada sequência, são levados a um extremo de obsessão pela história que pretende contar ao espectador. Tal como em GoodFellas, onde a simples preparação de um jantar em família era filmada ao ritmo da cocaína que pautava também a vida do protagonista, Shutter Island evolui constantemente no caminho da loucura e da insanidade à medida que o seu protagonista vai sendo conduzido pelos assustadores corredores do hospital psiquiátrico. Não será, certamente, uma obra-prima da loucura e da insanidade ao nível de Taxi Driver, mas os métodos são em tudo semelhantes, e a riqueza do filme vive sobretudo dos pormenores que, provavelmente, se tornarão ainda mais perceptíveis num segundo visionamento, quando a história tão labiríntica quanto o interior do Ashecliffe estiver mais assimilada. E já que falei em Taxi Driver, posso também recordar como em ambos os filmes, um simples copo com água pode revelar tanta coisa sobre a história e sobre as personagens. Porque, tal como acontecia com Travis Bickle, aqui também são os olhos e a mente atacada por fantasmas de Teddy Daniels que nos conduzem ao longo da narrativa.

Dito tudo isto, parece-me que Shutter Island é um projecto mais conformado do realizador do que outros dos seus grandes filmes. Tal como Cape Fear, é um título assumidamente série B, sem ambições a obra-prima e, ao contrário do que esperava, embora seja visual e tecnicamente maravilhoso, é mais contido ao nível do trabalho de câmara e do frenezim da montagem que o realizador costuma imprimir aos seus projectos. Mas isso mesmo será também um produto da história que conta, implodindo até ao momento do climax final (quase psicanalítico, fazendo lembrar Marnie, de Hitchcock), ao passo que muitos dos seus filmes explodem por vezes desde os primeiros minutos. Ainda assim, e mesmo tendo em conta o fascínio de Lehane por histórias recambolescas repletas de voltas e reviravoltas (que, por exemplo, incomodaram um pouco em Gone Baby Gone), nenhuma das surpresas narrativas parece forçada, nem existir apenas para surpreender o espectador. Há sempre uma justificação que parte da narrativa, com Scorsese a perceber na perfeição as possíveis armadilhas nas quais se poderia perder, sem alguma vez cair em facilitismos narrativos para agradar ao grande público. Aliás, poucos finais neste e noutros anos serão tão ambíguos como este.

E depois... bem, depois há toda a classe e elegância de um realizador que é também um eterno apaixonado pela imagem em movimento, e que conhece a História da sua arte como ninguém. Há uma série de referências que saltam à vista do espectador mais atento, das quais se destacam o já citado Hitchcock e um dos ídolos de Scorsese, Michael Powell, nomeadamente pela obsessão temática e pela construção cromática e visual. Mas podemos até ir mais longe, e pensar no Kubrick de The Shining ou em David Lynch, especialmente nas sequências de sonho, em que Daniels vai recordando os traumas do passado. Há quem as considere excessivas e deslocadas do resto do filme e, embora compreendendo esse ponto de vista, há também que perceber a sua importância na narrativa e, a partir do momento em que percebemos a sua função, aceitar esses tenebrosos pesadelos como mais alguns desvarios quase operáticos em que a sua obra é tão rica. Nesse particular, o espantoso trabalho fotográfico de Robert Richardson (que leva o limite o seu habitual uso de sobrexposição com efeitos práticos bastante interessantes) e do cenógrafo Dante Ferretti, ambos habituais colaboradores do realizador há longos anos é particularmente notável. Junte-se o cuidado trabalho de escolha musical, e está criado o ambiente tenso e delirante capaz de deixar o espectador colado à cadeira durante a sua duração algo excessiva mas nunca maçadora.

Daniels é uma personagem tão trágica e perturbada como qualquer outra das míticas personagens do realizador, sejam elas Travis Bickle, Jake LaMotta, Jesus Cristo ou Howard Hughes, daí que faça alguma confusão que se ignore Shutter Island pelo seu fraco conteúdo dramático. A personagem é, aliás, tão rica que as próprias memórias assombradas conseguem criar alguns momentos profundamente perturbadores – o testemunho do Holocausto e a morte da mulher são traumas que o marcam para a vida, e o mais extraordinário acontece quando verificamos ainda outra vez a amplitude emocional que Leonardo DiCaprio sempre consegue imprimir às suas personagens, confirmando o seu enorme talento. O restante elenco é sólido, com um grande número de caras conhecidas em pequenos papéis, mas os principais destaques vão para Jackie Earle Haley e Emily Mortimer que, nas suas poucas cenas, imprimem uma grande intensidade ao filme. Embora admita o desejo de ver um realizador como Scorsese dedicar-se a projectos mais pessoais, admito também que poucos serão os autores mais prazerosos em actividade neste momento e que, mesmo em trabalhos ditos menores, terão sempre a minha presença atenta enquanto espectador e fã incondicional.

João Paulo Costa

OS LIMITES DO CONTROLO (The Limits of Control)

2010-02-25T23:53:00.007Z

Título que marca o regresso do realizador Jim Jarmush depois de uma ausência de quatro anos, altura em que nos presenteou com Flores Partidas. E, como seria de esperar, Jarmush mantém-se completamente fiel ao seu estilo em Os Limites do Controlo, uma produção independente, de baixo orçamento e de características muito peculiares. Seguimos um solitário sem nome ou aparente identidade, numa viagem da América até Espanha, onde se desloca a propósito de um trabalho obscuro. A um ritmo lento, o filme desenrola-se como uma sucessão de rotinas que prendem as amarras de uma narrativa dispersa, em tons existencialistas e introspectivos. Um prazer visual, embora muitas vezes impenetrável, e recomendável fundamentalmente aos fãs do cinema do autor.

Texto originalmente publicado na revista Tribuna Douro (Agosto de 2009)

João Paulo Costa

A IDADE DO GELO 3: DESPERTAR DOS DINOSSAUROS (Ice Age: Dawn of the Dinosaurs)

2010-02-25T23:23:00.005Z

Depois de dois filmes de grande êxito entre o público de todas as idades, os criadores de A Idade do Gelo regressaram à saga para mais uma sequela e, sem alterarem muito a fórmula que lhes tem vindo a conferir tanto sucesso, voltaram a oferecer aquilo que deles se tem vindo a esperar: animação, aventura e boas doses de humor. E, para se acautelarem da perda do efeito surpresa, introduziram nesta equação um novo elemento: um vale perdido onde os dinossauros ainda dominam, e com o qual as nossas já muito bem conhecidas personagens vão ter de interagir, incluindo o sempre delirante esquilo pre-histórico e a sua bolota, desta vez com direito a um terceiro elemento para apimentar a relação. Podemos estar longe do primor dos habituais espectáculos de animação por computador dos estúdios da Pixar, e talvez seja sensato pensar se valerá a pena prolongar estas aventuras durante muito tempo, mas a verdade é que ainda não foi desta que a fórmula se esvaziou por completo.

Texto originalmente publicado na revista Tribuna Douro (Julho de 2009).

João Paulo Costa

LIGAÇÕES PERIGOSAS (State of Play)

2010-02-23T23:54:00.001Z

Russell Crowe de volta num filme que recupera o bom cinema de investigação jornalística.

Na linha de clássicos como Os Homens do Presidente, este Ligações Perigosas afirma-se, tal como Zodíaco há dois anos atrás, como um herdeiro orgulhoso desse empolgante género do thriller conspiratório, fazendo da investigação jornalística o grande impulsionador narrativo. E Russell Crowe é mais uma vez um portento de carisma na pele de um repórter do Washington Globe que, encarregue de investigar um homicídio, acaba por o relacionar a um caso de corrupção envolvendo altas instâncias militares e políticas, incluíndo o seu amigo de longa data, o Senador Collins (Ben Affleck). O realizador escocês Kevin Macdonald, galardoado documentarista ultimamente virado para a ficção, é eficaz na forma como faz da sua abordagem realista (câmara ao ombro, luz natural) um meio fundamental para nos aproximar ainda mais da história e personagens, à medida que o adensar do enredo nos vai deixando colados à cadeira. O único senão serão as excessivas reviravoltas do argumento, sempre contornadas pela forma vibrante e inteligente com que trata importantes temas actuais nestes tempos de crise e desconfiança.

Texto originalmente publicado na revista Tribuna Douro (Julho de 2009).

João Paulo Costa

COCO AVANT CHANEL

2010-02-22T23:09:00.006Z

Audrey Tautou, que o mundo ficou a conhecer há quase uma década pelo seu inesquecível desempenho como Amélie Poulain, cresceu e tornou-se numa actriz mais madura, ao ponto de se ter revelado como uma óptima escolha para dar vida a 'Coco' Chanel, a diva da alta costura. E Tautou acaba mesmo por ser um dos pontos de maior interesse num filme que se torna vítima de alguns dos grandes problemas do género. Centrando-se mais na intimidade de 'Coco' do que na sua obra, culminando precisamente na altura em que esta se estabelece como um nome grande da moda, carece daquela alma dramática que muitas vezes se perde por excessivo respeito às figuras reais. Ainda assim, valerá para os interessados no trabalho de Chanel, embora com algumas reservas.

Texto originalmente publicado na revista Tribuna Douro (Julho de 2009).

João Paulo Costa

Algumas notas sobre INVICTUS

2010-02-19T20:31:00.009Z

Parece ser quase unânime entre os admiradores de Clint Eastwood que Invictus, o seu mais recente filme centrado na figura histórica de Nelson Mandela, é mais um espécime daquilo que o seu cinema sempre foi, temática e formalmente. É também praticamente unânime que, mesmo perante tais predicados, Invictus se trata de um trabalho menor na carreira do realizador ou, pelo menos, distante das suas maiores obras-primas. Pessoalmente, concordo com ambos os pontos, e a meu ver o seu principal problema é bem evidente e pode reduzir-se a uma só palavra: rugby. Tentarei explicar-me.

Obviamente, a modalidade é tema central deste filme e foi o campeonato do Mundo realizado na África do Sul em 1995 um dos principais elementos unificadores de uma nação dividida pelo recente regime do apartheid. No entanto, é também a principal responsável pelos momentos menos conseguidos. Fazendo de Mandela e algumas outras personagens completos leigos na matéria, o argumento utiliza esse dispositivo para lhes explicar (e a nós) a cada minuto as incidências do jogo ("Dava mesmo jeito ganhar o primeiro jogo para evitar a Nova Zelândia antes da final, não dava?", "O que é que aconteceu? Ganhámos? Boa!"). Além disso, as cenas do jogo em sí, especialmente a grande final, revelam um Eastwood pouco à vontade com a geografia do desporto, parecendo mesmo falhar em alguns dos pontos dramáticos chave - ao que não terá ajudado o facto de o jogo ter sido, na realidade, pouco interessante. Como resultado, não deixa de ser surpreendente que a sua primeira metade, de contexto político e desenvolvimento de personagens, seja significativamente mais interessante do que a segunda, onde pontificam os supostamente emocionantes desafios.

Posto isto, não há como ignorar a marca de autor tão presente nos momentos altos do filme. Eastwood é dos maiores realizadores actuais a filmar o Homem, com tudo o que isso implica física e psicologicamente. E Invictus consegue ser admirável até na forma como se alheia de discursos propagandísticos e outros elementos que por vezes deitam por terra este tipo de projectos. Apesar das suas falhas, são duas horas e meia que passam a correr. Um grande autor dificilmente deixa de o ser mesmo que o queira, e cada um dos seus títulos, mesmo que menos inspirados, são sempre dignos de serem contemplados.

João Paulo Costa

HISTÓRIAS DE CAÇADEIRA (Shotgun Stories)

2010-02-17T00:07:00.000Z

Tendo como pano de fundo o cenário escaldante da América rural, Histórias de Caçadeira narra a trágica rivalidade entre dois grupos de irmãos, filhos de mães diferentes mas com um pai em comum, recentemente falecido. Sem estrelas, com um ritmo pausado, e uma grande economia de meios, o estreante realizador Jeff Nichols oferece-nos um filme envolvente, mas duro e desencantado, onde o Sonho Americano é pouco mais do que uma miragem impossível de alcançar, e o sentido da vida se confunde com as marcas da violência. De destacar o belo trabalho dos actores, em especial do sempre intenso Michael Shannon, e de saudar que, apesar de chegar até nós com 2 anos de atraso, o filme tenha lugar nas salas entre outras estreias de maior peso mas não necessariamente de maior qualidade.

Texto originalmente publicado na revista Tribuna Douro (Julho de 2009).

João Paulo Costa

Actualizações

2010-02-16T23:51:00.002Z

Antes de mais, gostaria de alertar os mais distraídos para o projecto Take, que continua a dar cartas e a vencer obstáculos, conseguindo pelo caminho primar ainda e sempre pelo esforço e qualidade do trabalho de todos os participantes. A mais recente edição, correspondente a Dezembro de 2009 e Agosto de 2010, está online no sítio do costume, e nela podem, entre outras coisinhas boas, revisitar a década que recentemente acabou, e encontrar os seus títulos mais marcantes, bem como uma série de artigos a meu ver bastante interessantes sobre os últimos 10 anos de cinema.

Ora, por falar em resumos da década, irei começar a publicar em breve as minhas escolhas. Serão 50 os filmes e os autores que pretendo revisitar, naquele que espero vir a ser um exercício de introspecção e revisitação do passado que me fez crescer, não apenas como cinéfilo, mas também como pessoa. Afinal de contas, somos o resultado dos filmes que vemos.

Finalmente, irei transcrever aqui nos próximos dias alguns comentários que escrevi para a revista Tribuna Douro relativos ao ano transacto, enquanto tentarei procurar tempo para voltar a escrever artigos somente para este espaço. A vida profissional e pessoal ocupam muito do meu tempo, mas a vontade de regressar à escrita sobre cinema é cada vez maior, portanto fica pelo menos a promessa de que irei fazer um grande esforço.

Grande abraço a todos!

João Paulo Costa

TOP 10 - 2009

2010-02-12T23:32:00.012Z

Chega tarde, mas não podia falhar. Ainda assim, devo começar por referir que não vi algumas das obras que, para muito boa gente, marcaram o ano passado. Das vistas, no entanto, ficam aqui aquelas que mais se destacaram. E que venha daí 2010.

10 WHAT DOESN'T KILL YOU
Porque é um filme que passou injustamente despercebido aquando da sua passagem pelas salas, e que vive de uma das grandes interpretações do ano. Mark Ruffalo volta a mostrar porque é um dos mais fascinantes actores da sua geração, e que as comparações com Brando que sofreu no início de carreira não eram tão desajustadas. É um filme de actores, feito por actores, para actores. Outras pérolas pouco vistas e dignas de destaque: Les Beaux Gosses, Two Lovers, The Brothers Bloom, The Burning Plain.

09 GAKE NO UE NO PONYO
Porque é o regresso do grande Miyazaki, naquele que pessoalmente me pareceu o melhor dos seus filmes desde A Princesa Mononoke (o que por sí já quer dizer muito). Um universo que vale bem a pena visitar. É o destaque entre o cinema de animação de 2009, que teve também em Up uma das suas maiores jóias (os primeiros minutos do filme da Pixar são do melhor que este ano nos ofereceu).

08 REVOLUTIONARY ROAD
Porque Sam Mendes consegue sempre arranjar forma de mexer comigo. Voltando à vida nos subúrbios americanos, o realizador britânico revela-se mais negro do que nunca e, tal como é seu apanágio, retira dos seus actores interpretações memoráveis.

07 RACHEL GETTING MARRIED
Porque Jonathan Demme evoca o fantasma de Cassavettes e nos oferece um pedaço de vida verdadeiramente irresistível. Anne Hathaway e Rosemary DeWitt são dignas dos maiores elogios, nesta aparente sessão de improviso sobre o núcleo de uma disfuncional família americana.

06 CHE: THE ARGENTINE
Porque quando Steven Soderbergh acerta, acerta em cheio, e esta é a sua melhor realização desde Traffic (The Good German esteve quase lá), oferecendo a Benício Del Toro, pelo caminho, um dos melhores papéis da sua carreira. Sem querer rebaixar a segunda metade deste épico intimista, prefiro a primeira mas ambas são, num todo, um filme merecedor de maior atenção do que aquela que recebeu.

05 PUBLIC ENEMIES
Porque é o regresso de Michael Mann aos biopics, ao cinema digital, e ao seu universo de homens duros e violentos. Uma das realizações mais impecáveis do ano, captando num registo pouco comum para o género, a vida galopante e no limite de John Dillinger, magníficamente intepretado por Johnny Depp. Mas entre os actores, é Marion Cottilard quem nos conquista.

04 MILK
Porque, tal como os dois título anteriores, é um biopic que consegue transportar consigo uma marca de autor bem definida. E, tratando-se esse autor de Gus Van Sant, a coisa só podia mesmo ser boa. Sean Penn é fabuloso, e Josh Brolin também não lhe fica atrás.

03 CHANGELING
Porque, num ano em que toda a gente destacou (também justamente, diga-se) Gran Torino, foi este o filme de Eastwood de 2009 que me arrebatou por completo. Angelina Jolie tem aqui a interpretação feminina do ano, e o realizador uma das melhores realizações da sua carreira. Ah, e acerta num pequeno detalhe em que o seu outro filme me pareceu falhar estrondosamente: a direcção dos jovens actores, fundamentais em ambos os títulos.

02 THE WRESTLER
Porque Darren Aronofsky, mesmo amansando um pouco a ferocidade do seu estilo visual, consegue produzir um filme tremendo. Mickey Rourke leva tudo à frente (só lhe faltou levar o Oscar) e, quando cai, obriga-nos a cair com ele. Assim que passam os créditos finais e ouvimos Bruce Springsteen na banda sonora, o aperto no estômago torna-se insuportável. Um dos mais melhores e mais comoventes filmes dos últimos anos.

01 INGLOURIOUS BASTERDS
Porque é Tarantino de regresso às obras-primas, num filme deliciosamente subversivo (não apenas historica, mas também dramática e cinematográficamente). Um spaghetti western situado na França ocupada pelos Nazis, repleto de referências e piscadelas de olho cinéfilas, que é também dos mais prazerosos espectáculos dos tempos recentes. Os diálogos multilinguísticos de Tarantino aliados ao seu cada vez mais evidente crescimento enquanto cineasta e ao talento de todo o elenco, resultaram no seu maior sucesso e em mais um dos seus grandes filmes. Será, estou convicto, o título de 2009 que melhor resistirá ao tempo, e não é difícil perceber porquê.

João Paulo Costa

De volta...

2010-02-12T23:30:00.003Z

Não me apetece deixar o espaço cair no esquecimento. Há, para o melhor e para o pior, uma parte de quase 6 anos da minha vida aqui espalhados. Nos próximos dias, tentarei deixar por aqui algumas actualizações e, espero que dentro em breve, possa regressar com maior regularidade.

João Paulo Costa

O FANTASMA DO PARAÍSO (Phantom of the Paradise) - 1974

2009-11-01T16:26:00.004Z

Mais do que um thriller ou um musical, Phantom of the Paradise é um filme que não só marca muito do espírito da sua época, como terá confirmado na devida altura, se quisermos, Brian De Palma como um dos mais transgressores cineastas da sua geração. Pegando em elementos de Fausto e de Fantasma da Ópera, De Palma criou (com a ajuda do mítico compositor Paul Williams, também um dos actores principais) uma espécie de ópera-rock cinematográfica sobre um compositor (magnífico William Finley, presença habitual nos filmes do realizador, aqui com a sua participação mais marcante) que vê a sua obra-prima destruída pelas mãos de um produtor musical sem escrúpulos (Williams) – e onde os paralelismos com as incidencias da indústria cinematográfica e a carreira do realizador, anterior e posterior, não são meras coincidências.

Phantom of the Paradise é um filme quase operático, repleto de exageros e excentricidades que hoje nunca conseguiriam ver a luz do dia. Que de todo esse festim de excessos se consiga tirar verdadeiro sumo cinematográfico, eis o milagre incompreensível desta obra, e mais uma prova do talento do seu autor. Repleto do humor ácido que vem predominando na sua obra, nomeadamente nessa fase inicial, De Palma consegue momentos de deliciosa sátira à indústria do espectáculo e, consequentemente, um filme de uma actualidade impressionante, onde a obsessão com a beleza e a fama descartável que contamina os media e o entretenimento são temas centrais, disfarçados por baixo de todo o absurdo. Tal como nos melhores De Palma, o que se destaca verdadeiramente é o seu magnífico sentido visual, e a capacidade para criar maravilhosas sequências, explorando sempre os limites estéticos do cinema, mantendo-os ao serviço da história de forma constantemente provocatória e com resultados tão brilhantemente bizarros, que fazem com que a beleza da então estreante (e favorita aqui da casa) Jessica Harper possa conviver naturalmente com a composição hilariante de Gerrit Graham como Beef. O filme ideial para a época de Halloween, digo eu.

João Paulo Costa

Take - Cinema Magazine

2009-11-01T16:23:00.003Z

Informo já com muito atraso, mas sempre a tempo.

João Paulo Costa

Actualizações

2009-09-26T19:05:00.002+01:00

Após uma longa ausência, que entre outras coisas marcou uma nova etapa na vida profissional, e também um caso sério de preguicite aguda, irei aos poucos tentar reavivar o CinePt, sem fazer para já grandes promessas, mas para os leitores que ainda visitem este espaço à procura de novidades, tentarei pelo menos ir dando sinais de vida.

Entretanto, desde a última actualização, já saiu um novo número da Take (correspondente aos meses de Agosto e Setembro), onde o destaque foi para Johnny Depp e para o excelente Public Enemies, de Michael Mann, e eu comecei a escrever para a revista Tribuna Douro, onde tenho uma página mensal dedicada ao cinema. Para os interessados, eis o site onde poderão encontrar informações sobre a publicação, embora este não se encontre particularmente actualizado.

Ah, e já viram o novo Tarantino? Então estão à espera de quê?!

João Paulo Costa

Take - Cinema Magazine

2009-07-21T23:32:00.003+01:00

Com Quentin Tarantino na capa e um especial dedicado a uma das mais esperadas estreias deste Verão por estas bandas (Inglourious Basterds, pois claro!), o número 17 da Take continua a crescer em ambição, em conteúdos e em qualidade. Além das habituais rubricas, há ainda entrevistas com a malta do divertido The Hangover e, mais do que isso, com o excelente James Gray a propósito do seu mais recente, e belíssimo filme, Two Lovers. Já sabem, tudo isto e muito mais à distância de um simples click.

O MOTEL (Vacancy)

2009-07-08T00:01:00.004+01:00

Numa altura em que o cinema de terror não passa por momentos particularmente felizes, é de louvar a chegada de um título como Vacancy que, sem deslumbrar, cumpre os requisitos mínimos do género, e ainda nos deixa à beira de um ataque de nervos (no bom, mas também no mau sentido, já lá iremos...)

Depois de uma interessante sequência de créditos iniciais, temos um breve vislumbre de uma imagem labiríntica, a recordar o tenebroso jardim de The Shining, sentimento que o filme prolonga imediatamente na primeira cena, na qual vemos um carro isolado no meio das montanhas. Lá dentro, um casal (Luke Wilson e Kate Beckinsale). Não há uma criança no banco de trás, mas ambos são assombrados pela memória do seu filho, morto num acidente doméstico do qual os pais não conseguiram recuperar, e que terá levado a sua relação ao declínio. Não sabemos de mais pormenores, nem precisamos, uma vez que os principais dados estão lançados: o sofrimento e a dor causada pela morte da criança, e a degradação que a partir daí surgiu na relação entre ambos, resultado das diferentes formas que ambos encontraram para lidar com a morte do rapaz. Voltando à viagem: é noite cerrada, e ambos eles estão perdidos na viagem, até que uma avaria no automóvel os leva a ter de passar a noite num Motel algures numa paisagem montanhosa isolada do resto do mundo. O bizarro gerente indica-os a um quarto, e é lá dentro que o verdadeiro terror irá começar.

Confesso-me particularmente surpreendido por muitos pontos de Vacancy. Em primeiro lugar, porque se recusa logo à partida por cair nos lugares comuns da generalidade do moderno cinema de horror, onde parece só haver lugar para jovens de corpos esculturais, e a abordagem visual pouco difere do que se faz nos videoclips da MTV. Aqui, temos desde logo uma dupla de actores que, embora não geniais, são sólidos o suficiente para nos fazer sentir próximos das personagens que defendem. E depois, porque há uma preocupação clara do realizador Nimród Antal em criar medo e tensão sem recurso exclusivo a cortes rápidos e câmaras em constante sobressalto. Aliás, as referência iniciais a The Shining acabam por ser substituídas por uma onda mais Carpenter, que faz recordar e muito Halloween – não na qualidade global do filme em sí, mas por exemplo no cuidado com as composições em formato largo, aproveitando em algumas ocasiões da melhor maneira os cantos da imagem para daí nos oferecer alguns sustos valentes. E no fundo é mesmo isso que é de louvar. Confesso que nos últimos anos poucas vezes me senti tão sobressaltado e perturbado por uma obra cinematográfica como nos primeiros 30 ou 40 minutos de Vacancy. Há ali material mesmo perturbador, especialmente em toda a cena em que os nossos protagonistas descobrem que algo de realmente estranho se passa naquele lugar.

Por tudo isso, é uma pena que se sinta no final que tudo é resolvido à pressa e, diria mesmo, não da melhor forma. Não irei aqui revelar pormenores específicos sobre a narrativa, mas parece-me que a sua conclusão deixa tanto a desejar que inclusivé acaba por fazer tudo o resto descer um pequeno patamar. Mas não o suficiente para nos fazer esquecer tudo o que ficou para trás, e aposto que os leitores que já tiveram oportunidade de ver o filme concordarão comigo que, quando resulta, Vacancy resulta muito bem. Uma surpresa de 2007 que merece ser redescoberta em casa.

João Paulo Costa

A RESSACA (The Hangover)

2009-07-06T00:27:00.004+01:00

Realização: Todd Phillips
Argumento: Jon Lucas & Scott Moore
Elenco: Bradley Cooper, Ed Helmes, Zach Galifianakis, Justin Bartha, Ken Jeong, Heather Graham, Mike Epps, Mike Tyson

Todos os anos, por esta altura, entre as inúmeras estreias de Verão carregadas de grandes produções e animações, há também lugar para a comédia ligeira desprovida de outras pretensões que não as de tentar arrancar o maior número de gargalhadas por espectador. The Hangover consegue-o sem problemas de maior, e o seu sucesso gigantesco é, por esta altura, mais do que compreensível, seguindo uma receita com tudo para dar certo: o realizador Todd Phillips, já com um currículo de peso na comédia javarda, dirige sem medos um argumento recheado de gags sem grandes papas na língua ou problemas com o políticamente correcto e, sobretudo, um grupo de actores não muito conhecidos mas consistentemente inspirados: Ed Helms (membro regular da versão americana de The Office) é bastante divertido, assim como Bradley Cooper que consegue entrar no espírito sem grandes problemas, mas são o comediante Zach Galifianakis (vai tornar-se numa estrela) e Ken Jeong quem rouba o espectáculo. Ah, e Mike Tyson... e com piada (?!). Tem problemas? Certamente, porque nem sempre acerta no alvo, porque Heather Graham é ignorada num papel completamente acessório (e como eu gosto da Rollergirl) e porque se sente claramente que o argumento tem de ser despachado quando a duração se aproxima do final e se tem de arranjar conclusão para a história deste grupo de amigos em Las Vegas para uma despedida de solteiro que só não é memorável porque ninguém se consegue lembrar do que aconteceu. Mas isso no final pouco importa quando as gargalhadas surgem em grande número. Ninguém espera mais do que isso quando entra na sala.

João Paulo Costa

SESSÃO DUPLA

2009-07-03T23:46:00.017+01:00

HIGH NOON / MY DARLING CLEMENTINE

Há algo de altamente fascinante do ponto de vista pessoal, quando vejo um western clássico (entenda-se como tal, as produções americanas da idade de ouro dos estúdios) rodado a preto e branco, por oposição ao mais espalhafatoso Technicolor (e seus derivados) da época. Tendo a preferir, creio eu, o jogo de contrastes entre o preto e o branco, e os tons de cinzento intermédios, como forma de ilustrar as dualidades e a complexidade características da maior parte das personagens que povoam essas películas. E os casos de High Noon e My Darling Clementine voltam a fazer-me pender para essa opção, e é uma pena que com a implantação da cor como elemento ilustrativo mais comum, se tenha perdido um pouco o hábito de rodar westerns sem cor. É, repito, apenas uma tendência preferencial, e basta recordar por exemplo um Johnny Guitar para descobrir uma obra-prima situada no Velho Oeste com a cor como elemento fundamental para nos envolver na sua trama, com efeitos gloriosamente surreais. Mas creio que o preto-e-branco é mais eficaz como forma de conferir um realismo sujo às paisagens desérticas, e funcionava bastante melhor contra os cenários artificiais de estúdio da maior parte dos filmes.

Enfim, tirando esse assunto do caminho, falemos sobre estas obras de Zinnemann e Ford, que curiosamente partilham pontos em comum. Sejam elas o desencanto com que se olham os mitos do velho oeste, seja na forma como utilizam personagens femininas para amplificarem conflitos entre protagonistas, ou como se cria tensão entre personagens do mesmo lado da barricada e com isso se tornam excelentes documentos sobre a psique masculina . Com efeito, High Noon, que constrói a sua narrativa quase em tempo real - um xerife acabado de casar com uma bela mulher, planeia retirar-se quando descobre que o homem que mandou executar há 5 anos atrás por homicídio, se encontra livre e a caminho da sua cidade para um ajuste de contas - é um belo espécime de gradual desenvolvimento de personagens. Gary Cooper é o xerife em questão, e se à partida, até pela sua posição como a cara da justiça, nos parece um herói pleno de virtudes, aos poucos vamos percebendo que, tal como os vilões que juraram vingar-se, Cooper é também ele um homem incapaz de virar as costas à violência, mesmo pelo amor da sua nova mulher, uma Grace Kelly lindíssima como sempre, mas vista pela lente de Zinnemann como um anjo sem grande interesse (pelo menos quase até final). Em contraste com a beleza loira angelical de Kelly, temos Katy Jurado como uma mexicana e ex-amante de Cooper e do homem que este prendeu, como a única capaz de perceber a natureza violenta das persoangens masculinas. Jurado é também a actual amante de Lloyd Bridges, o xerife adjunto desencantado com Cooper por este não o ter nomeado xerife após a sua ausência, e por ser ainda tratado por todos como um miúdo. O mais interessante é não apenas a forma como vamos percebendo que as personagens de Cooper e Bridges não são o que pensam ser (e chega a ser tocante perceber que o xerife não tem inclusivamente quem confie em si ou esteja disposto a ajudá-lo a defender a cidade pela última vez), mas também como é Jurado que nos vai informando disso mesmo. Depois, narrativamente, a construção é bastante interessante, com um suspense em crescendo (e o tempo é aqui muitíssimo bem explorado) até ao momento em que o vilão chega no comboio das 12, e a encenação do duelo final pelas ruas desertas é uma delícia.

Em My Darling Clementine, apanhamos o mítico Wyatt Earp (Henry Fonda) como recém nomeado xerife de Tombstone para vingar a morte do seu irmão mais novo às mãos de ladrões de gado locais. No arrogante Doc Holliday (Victor Mature), encontramos primeiro um opositor, e depois um aliado, sempre dado aos copos e propenso a sacar da arma. Doc mantém uma relação carnal com Chihuahua (Linda Darnell), uma prostituta local, mas a chegada à cidade de Clementine (Cathy Downs), um amor do passado, desperta paixões antigas, e conquista também a atenção de Earp. Tal como Grace Kelly em High Noon, Clementine acaba por se revelar uma das menos interessantes personagens do enredo, sendo vista como um anjo puro num mundo sujo e desonesto, mas que acaba por fazer sobressair o lado mais negro, das personagens masculinas, neste caso de Doc. Mas My Darling Clementine é também um dos mais valiosos testamentos da grande capacidade de Ford em sacar sempre os melhores planos de todas as cenas, sejam elas nos grandes momentos de acção ou as belas paisagens do deserto, ou momentos mais íntimos nos quais as personagens quase se despem diante das câmaras. E, num caso e no outro, o preto e branco acaba por manter a noção épica de espectáculo, e conseguir também uma enorme proximidade às personagens, fazendo o melhor uso do jogo entre luz e sombras. Deixo alguns exemplos do título de Ford. Magnífico.

João Paulo Costa

Take - Cinema Magazine

2009-06-22T00:17:00.002+01:00

É sob o signo da saga Terminator que nos chega mais uma edição da Take - Cinema Magazine, e estou em condições de dizer que é uma das mais completas que alguma vez produzimos. Desde entrevistas com personalidades do cinema nacional e internacional, a uma muito completa viagem até Cannes, passando pelas rúbricas habituais, a Take continua a crescer, com a ajuda de novos e excelente colaboradores.

João Paulo Costa

DEIXA-ME ENTRAR (Låt den rätte komma in)

2009-06-21T21:52:00.006+01:00

Realização: Tomas Alfredson
Argumento: John Ajvide Lindqvist, baseado no seu romance
Elenco: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar

Numa altura em que os vampiros e seus derivados parecem estar de volta em força ao cinema e à televisão (Twilight, True Blood...), o sueco Tomas Alfredson não quis ficar para trás, e apresentou-nos a sua própria visão do mito. O resultado é um filme perturbador, onde os condes da Transilvânia dão lugar a crianças de 12 anos de inocência ainda não totalmente perdida. Sem ser um exemplo de absoluta perfeição cinematográfica, Deixa-me Entrar é um trabalho bastante sóbrio, que utiliza os dispositivos fantásticos e a temática do vampirismo para falar sobre outros temas – como, de resto, acontece com os melhores títulos do género. No jovem Oskar, um rapaz filho de pais divorciados, alienado dos colegas e fácil alvo de violência na escola, vemos espelhados muitos dos problemas sociais dos jovens da sua idade: a dificuldade na ligação com o mundo, o escapismo. E em Eli, a sua nova vizinha que só costuma sair de casa à noite, Oskar encontra alguém com quem pode identificar a sua diferença. Obedecendo de forma muito particular às regras do género, Alfredson oferece-nos um filme ao mesmo tempo sinistro e poético, desconfortável e perturbador. Peca sobretudo quando se desprende da história dos dois jovens e tenta seguir outros caminhos (uma cena gore envolvendo um ataque de gatos, por exemplo, era perfeitamente dispensável), mas quando se centra apenas em Eli e Oskar, mantendo de lado a preocupação com os sustos, e deixando estas personagens desenvolverem a sua relação tão comovente, Deixa-me Entrar consegue ser excelente. E aqueles momentos finais, tão doentiamente encantadores, são dignos de permanecer entre os melhores do ano. Para os mais impressionáveis, fica no entanto o aviso: algumas das cenas não serão certamente muito bonitas de se ver...

Este comentário foi originalmente publicado no Take a Break

João Paulo Costa

2009-06-05T22:55:00.000+01:00

OS FRAGMENTOS DE TRACEY (The Tracey Fragments)

2009-05-23T22:58:00.003+01:00

A proposta de partida para este filme canadiano de Bruce McDonald é curiosa: construir uma narrativa a partir de fragmentos da vida de uma personagem, cuja própria estabilidade emocional (e consequente validade do ponto de vista) é desde logo posta em causa por um trauma que a aflige: o desaparecimento do seu irmão mais novo. E enquanto a jovem Tracey Berkowitz (Ellen Page) procura o rapaz, vamos assistindo à degradação (ou fragmentação) da sua mente, que cada vez mais parece dirigir-se para o caos absoluto. O grande desafio de McDonald passava por transportar para o ecrã, através de imagens, o estado de espírito da sua protagonista, e a forma como o fez marca o traço mais distintivo de The Tracey Fragments e também, diga-se, a sua grande fragilidade. É levando ao máximo a ideia do fragmento como peça fundamental para esta construção cinematográfica que o filme é elaborado, o que na prática se traduz por uma imagem composta por uma miríade de outras imagens, como se fossem os estilhaços de um espelho partido, reflectindo cada um deles uma realidade subtilmente diferente. Torna-se portanto fácil apreciar o empreendimento do realizador pela sua coragem em fragmentar de tal forma as imagens, mas a verdade é que aquilo que poderia ser um curioso exercício de estilo numa curta-metragem de 20 minutos, acaba por se tornar altamente cansativo e até arbitrário ao fim de 80. Como se essas imagens sobre imagens, sobre imagens, cuja ideia começa por fazer todo o sentido tendo em conta a sua história e personagens, se alongasse mais do que as possibilidades da sua narrativa, estando lá para se cumprir uma determinada duração, repetindo ideias e temas visuais para além dos limites. Ao fim de certo tempo, o efeito perde a piada, e quando se procura um pouco além da superfície, percebe-se que havia muito pouca uva para tanta parra, especialmente quando o filme começa a procurar o insólito sem motivo aparente, como que apenas para se afirmar à força como um projecto alternativo – aquelas cenas com “a psiquiatra” não convencem... No final, o que sobra digno de registo? A confirmação de que Ellen Page é uma grande actriz e terá um futuro brilhante (que de resto Hard Candy e Juno já deixavam antever), e uns breves instantes de inspiração num projecto meritório mas falhado.

João Paulo Costa

MUDANÇAS

2009-05-23T22:54:00.002+01:00

Tendo em conta a falta de actualizações do blog, e a minha colaboração para outros projectos ligadosao cinema (em breve irão surgir novidades a esse respeito), venho anunciar aqui algumas mudanças por estas bandas.

No fundo, nada de particularmente diferente, mas tenciono centrar-me menos nas estreias recentes (coisa que farei noutros espaços), e focar-me mais em outros filmes que me forem encontrando. E talvez também abandone um pouco o formato mais "crítico" que se foi estabelecendo neste espaço ao longo dos tempos, e o transforme mais num bloco de notas cinematográfico. Pode ser que assim, separadas as águas, o CinePt possa estar de novo sujeito a mais frequentes actualizações.

Até já e bons filmes.

João Paulo Costa

Take - Cinema Magazine

2009-05-22T11:31:00.003+01:00

Já se encontra online o novo número da Take que, como podem ver pela capa, destaca o blockbuster de J.J. Abrams, Star Trek, isto sem esquecer outras estreias de ontem, de hoje e de amanhã. Já sabem, é só clicar na imagem e começar a leitura.

João Paulo Costa

Atol Magazine

2009-05-18T23:56:00.003+01:00

A falta de grandes novidades aqui no estaminé, é quebrada não por nova análise a um filme, mas para vos dar a conhecer este projecto para o qual fui convidado a participar. Trata-se de uma revista online cujo conteúdo abrange as mais diversas áreas, sendo que eu irei colaborar ocasionalmente na área do cinema. Mas vale a pena visitar o site e conhecer a Atol e os seus conteúdos. Apareçam.

SOUTHLAND TALES

2009-05-08T11:50:00.009+01:00

Richard Kelly é um caso curioso no panorama do cinema norte-americano dos últimos anos. Deu-se a conhecer ao mundo em 2001, quando a sua pequena obra de estreia teve uma carreia muito discreta nas salas, mas se tornou pouco tempo depois num fenómeno de culto assim que chegou ao mundo do home cinema. Falamos, pois, de Donnie Darko, esse fascinante retrato da complexidade da adolescência mergulhado numa trama de ficção científica envolvendo o fim do mundo e universos paralelos e linhas de continuidade espacio-temporais. De uma assentada, Kelly passou a ser visto como o novo menino bonito do cinema independente, mas ao contrário do protagonista que descobriu, Jake Gyllenhaal (bem como a sua irmã Maggie, recentemente vista em The Dark Knight), que se tornou num nome de peso, Kelly tem tido dificuldades em impôr o seu estilo bastante peculiar numa indústria pouco dada ao risco.

Ora, apenas 5 anos após o seu filme de estreia, Richard Kelly conseguiu dar seguimento à carreira na realização, e o seu segundo trabalho era aguardado com expectativa. Até que, em Maio de 2006, chegou finalmente ao festival de Cannes, e a recção crítica foi unânime: um fracasso de dimensões ainda mais catastróficas do que a história que nos conta no filme. Seguiu-se um complicadíssimo processo de pós-produção que envolveu uma redução da duração da película, e uma batalha para conseguir financiamento suficiente para elaborar alguns efeitos especiais, até que o filme estreou finalmente, mais de um ano depois, nas salas americanas, apenas para ser retirado quase de seguida sem grande alarido. Ainda assim, a opinião generalizada era de que se tratava de um fiaco tão grande que colocaria em risco a própria carreira do realizador.

Ora, passado o alarido e o negativismo em relação a Southland Tales, será que se justificam tantos apupos, e que os mesmos podem mesmo colocar em causa o trabalho meritório passado do seu autor? Bem, depois de visto o filme em DVD (uma vez que não parece haver meio de cá chegar), serei claro a definir a minha posição em relação ao filme: compreendo perfeitamente todas as críticas que lhe apontam, mas a verdade é que no meio de tanto caos narrativo, consegue momentos magníficos de Cinema que nos lembram que está ali alguém que acredita plenamente no filme que nos mostra, e que esse alguém se mantém absolutamente fiel aos seus princípios temáticos e visuais. Mas vamos por partes...

Diz-se que há por ali uma história, em Southland Tales, e eu até acredito. O problema é conseguir encontrá-la no meio de tantas personagens deste universo de dimensões quase altmanescas. Mas a verdade é que obsessões que fizeram de Donnie Darko esse filme tão especial, estão lá todas: o fim do mundo, e uma espécie de fractura na linearidade espacio-temporal, onde poderá estar também a salvação à custa do sacrifício pessoal. Isto é que é ser específico, de filme para filme. A questão é que se Darko era um claro protagonista cujo drama interior se reflectia naqueles com quem se cruzava, em Southland Tales esse protagonista é substituído por uma panóplia de gente e histórias paralelas sem fim. Exceptuando meia-dúzia de personagens, torna-se inclusivé difícil perceber quem é quem neste universo cinematográfico desgovernado. No entanto, a questão é que esse caos mais não é do que uma consequência do universo narrativo que Richard Kelly nos apresenta. Mais uma vez situado num mundo alternativo, estamos em Los Angeles, em 2008, mas numa terra devastada por um atentado terrorista nuclear, que entre outras coisas conduziu o governo á tomada de medidas drásticas: a procura incessante de uma fonte de energia alternativa que acabe com a dependência de petróleo depois da péssima experiência no Iraque, e um domínio total do ciberespaço de forma a controlar todo o tipo acções ilícitas, mesmo quando isso implica a invasão de privacidade total: o big brother elevado à potência máxima. Com o planeta neste estado, não tardam a surgir as facções extremistas à direita e à esquerda, que conspiram contra o abuso do poder. Entre actores, pornógrafos, ex-combatentes no Iraque, astrofisicos e estrelas de cinema, todos terão uma palavra a dizer. No fundo, aquilo que Southland Tales terá mais próximo de um protagonista, são Boxer Santaros (Dwayne “The Rock” Johnson) e Ronald Tavener (Seann William Scott), o primeiro uma estrela de cinema com amnésia (desde que participou numa viagem ao Texas) que escreveu um argumento que retrata de forma realista os acontecimentos catastróficos pelos quais a terra vai passando, e o segundo na pele de um ex-combatente que regressou do Iraque com problemas de personalidade. Isto por si só já deve parecer confuso o suficiente, portanto ficarei por aqui no que a tentar explicar o argumento diz respeito, em primeiro lugar porque não tenho a certeza de ter percebido perfeitamente o que raio se passa ao longo do filme, e em segundo lugar porque... é tudo bem mais complexo do que acabei de descrever.

Assim, apesar das marcas de autor parecerem começar a formar-se com clareza, é também possível encontrar pedaços de influências fortes que vão desde Altman (a pluralidade de personagens) a Lynch (todo o surrealismo acentuado por um momento perto do final em que a mesma Rebekah Del Rio do Club Silencio de Mulholland Drive canta o hino americano), passando por Kubrick e Gilliam (os cenários apocalípticos mergulhados num tom estranhíssimo de comédia negra e quase slapstick) ou por Fellini (onde cada personagem parece competir com a anterior no que à bizarria diz respeito, fazendo do coelho gigante de Donnie Darko a coisa mais normal do universo). Nesse aspecto, o filme funciona de uma forma algo estranha, ou pelo menos fá-lo perfeitamente até aos seus derradeiros minutos, onde parece estender-se em demasia, tentando dar alguma explicação para o que é, admita-se, inexplicável. E é quando se torna numa assumidíssima sátira social que tudo parece estar no lugar, mesmo quando tem de lidar com números musicais e ficção científica... Entre outras coisas, Kelly manda farpas ao extremismo político, à reality tv, ao capitalismo, à obsessão com a exposição, à invasão de privacidade e, de um modo mais geral, ao ser humano incapaz de perceber as consequências dos seus actos no mundo que habita. Que se consiga retirar isto de um filme onde pouco ou nada parece fazer sentido, eis a surpresa.

Tal como as personagens que habitam o filme, tudo aqui é levado ao extremo e cabe ao espectador arranjar ou não a paciência para entrar neste universo. Aqueles que o conseguirem, irão certamente estar mais propensos a retirar de Southland Tales alguns pequenos prazeres que confirmam Kelly como um cineasta de talento que, não desminto, talvez precise de alguma contenção se quiser continuar a fazer filmes – e parece que o seu projecto seguinte, intitulado The Box, com James Marsden, Cameron Diaz e Frank Langella, e baseado num conto de Richard Matheson, é bastante mais mainstream. Mas para já, saúdo sem reservas essa anarquia cinematográfica que, de forma bem inteligente, perspicaz e corrosiva, mais não é do que um espelho nítido do nosso mundo. Se duvidas restarem, aqui em baixo fica um exemplo perfeito disso mesmo: um tema musical fabuloso, All These Things That I've Done, dos The Killers, uma economia de recursos cinematográficos complementada por um belíssimo trabalho de câmara (aproveitando toda a largura do ecrã em scope), a utilização de elementos que de muitas formas simbolizam a cultura popular americana, e temos em poucos minutos a representação de todo um país completamente mergulhado num profundo desencanto. Acham que é coincidência o actor nesta cena ser uma estrela pop americana e ter o rosto parcialmente deformado? Eu não...

Recomendação: vejam em alta resolução. Tem muito melhor aspecto...

Para os que tiverem curiosidade, e pouca ou nenhuma vontade de esperar eternamente até que uma distribuidora se lembre de o estrear em Portugal (já nem tenho esperanças de que chegue às salas, mas pelo menos ao mercado do DVD), pode sempre explorar esta edição a preço bem acessível.

João Paulo Costa

A ORGANIZAÇÃO (The International)

2009-05-07T01:29:00.004+01:00

Realização: Tom Tykwer
Argumento: Eric Singer
Elenco: Clive Owen, Naomi Watts, Armin Mueller-Stahl

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Tal como Michael Clayton no ano passado, The International é um filme também ele ancorado no thriller político americano dos anos 70 e, tal como o filme de Tony Gilroy, utiliza essa inspiração do passado para falar com pertinência de temas bem actuais. Estreado mundialmente no último Festival de Berlim, de onde trouxe reacções maioritariamente negativas, The International é bastante claro nas suas intenções, denunciando as práticas duvidosas de um grande grupo bancário mundial e respectivos lucros provenientes da guerra. E é também um título que põe à prova o carisma especial de Clive Owen, actor intenso e físico que aqui carrega a película às costas enquanto se vai enterrando cada vez mais nas entranhas desta sombria organização que não olha a meios para silenciar os seus detractores.

Apesar de estar longe de ser uma obra inesquecível, a força dos seus temas e a competência de Tom Tykwer atrás das câmaras, tornam este projecto numa interessante proposta cinematográfica para a temporada. Destacam-se um par de cenas de acção bem filmadas, nomeadamente um tiroteio em pleno Museu Guggenheim em Nova Iorque, onde se nota a inspitação de Michael Mann cuja localização, não sei até que ponto intencional, remete para um curioso exercício reflectivo dentro do próprio filme, onde nem a arte está imune aos tentáculos cada vez mais abrangentes do capitalismo desenfreado. Sejam quais forem as intenções, a sua execução é um dos pontos altos do filme. Com um ritmo cativante e tenso, nunca aborrece ninguém, e nem mesmo a sua trama ocasionalmente confusa (ou sou mesmo só eu que não me dou com estas conspirações complexas) e um certo subaproveitamento do talento de Naomi Watts enfraquecem o produto final.

João Paulo Costa

SINAIS DO FUTURO (Knowing)

2009-04-22T23:52:00.004+01:00

Realização: Alex Proyas
Argumento: Ryne Douglas Pearson e Juliet Snowden & Stiles White
Elenco: Nicolas Cage, Rose Byrne, Chandler Canterbury, Lara Robinson

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Por altura em que decorriam os últimos minutos de Knowing, não conseguia deixar de pensar que afinal de contas tinha assistido a mais um banalíssimo filme-catástrofe sobre o fim do mundo, e de como parece grave que se produzam tantos filmes onde se consegue associar as palavras “banal” e “fim do mundo” na mesma frase. Mas ao fazê-lo em relação a Knowing não estou a ser totalmente justo, mas mais a expressar o desagrado perante um filme que, a certa altura, prometia muito mais do que acabou por oferecer. E em boa verdade o realizador Alex Proyas, que tem vindo a agradar em obras como Dark City ou I, Robot, nunca consegue fazer nada verdadeiramente banal – e diga-se que o filme contém alguns momentos dignos de registo – mas também não o consegue resgatar da mediocridade dos seus derradeiros minutos.

O mais curioso é que a premissa dá pano para mangas, e compreende-se perfeitamente como é que um realizador como Richard Kelly se tenha interessado pelo projecto na sua fase inicial. Tudo começa quando uma perturbada aluna numa escola americana que diz ouvir vozes dentro da sua cabeça, escreve uns números aparentemente aleatórios numa folha de papel que é enterrada juntamente com os trabalhos de outros alunos numa cápsula do tempo a ser aberta 50 anos mais tarde. Chegados à data prevista, a cápsula é aberta e os números vão parar às mãos de um professor (Nicolas Cage, ainda distante do seu melhor, mas ainda assim uns furos acima do que temos visto nos seus mais recentes filmes), viúvo e pai de um filho, que vê neles não apenas uma série de números, mas sim indicações precisas sobre os maiores desastres decorridos no planeta ao longo desses anos. Cabe-lhe agora descobrir a origem destas estranhas premonições, e tentar impedir os acidentes que ainda não aconteceram de se tornarem realidade.

O argumento e a respectiva abordagem de Proyas até recordam algum do estilo de M. Night Shyamalan, onde o mistério surge como uma constante, o fim do mundo se torna numa ameaça, e questões como a família e a fé tomam o lugar da frente, bem ao jeito de Signs. Ao contrário de Shyamalan, Proyas opta pela espectacularidade visual, em contraponto ao habitual minimalismo do indiano, mas não viria por aí grande mal ao mundo, uma vez que o realizador já nos ofereceu impressionantes espectáculos visuais servidos por histórias à altura. O problema surge mesmo quando se tenta engrandecer excessivamente a escala, e subir de tal forma a parada ao ponto de se perder a norte. Quando o filme se centra no drama familiar, é comovente. Enquanto é um mistério, é empolgante. E mesmo quando começam a surgir as primeiras respostas, consegue manter-nos presos com sequências notáveis, como um longo plano sequência no meio de um desastre aéreo, ou um terrível acidente no metro.

Mas eis que, chegados à recta final, algumas soluções falhadas do argumento, bem como a sua excessiva dependência numa relação entre personagens (onde entra em cena a bela Rose Byrne) que nunca parece verdadeiramente real, deitam por terra o que poderia ser um recomendável entretenimento de série B, mantendo aqui e ali muito so seu espírito, mas nunca empolgando o suficiente, e culminando num plano final que, por tudo o que evoca, só nos vem lembrar que se leva bem mais a sério do que deveria. Há, dentro da sua mensagem humana tão ao jeito dos últimos blockbusters americanos, momentos que o tornam num objecto de algum interesse, mas no final, torna-se difícil evitar a sensação de monotonia que, num filme onde tantas e tão grandes coisas se passam, acaba por ser um problema...

João Paulo Costa

Take - Cinema Magazine

2009-04-19T23:52:00.004+01:00

Depois de alguma espera, eis que o número 14 da Take já se encontra disponível online, sob o signo de Che, mas acompanhada da variedade a que todos estamos acostumados. Apesar das dificuldades, não resistimos a fazer este esforço mensal para oferecer aos habituais leitores aquilo que se habituaram a esperar sempre, claro, com o objectivo de tentar melhorar ainda mais de número para número. Pessoalmente, acho que a 14 tem, entre outras coisas, um preciosidade imperdível em forma de entrevista a um actor que deu corpo a uma das mais inesquecíveis personagens televisivas de que me lembro, e certamente das que mais cito. Lembram-se do soup nazi?

João Paulo Costa

CHE

2009-04-07T12:36:00.007+01:00

Realização: Steven Sodebergh
Argumento: O ARGENTINO: Peter Buchman, baseado em Reminiscências da Guerra Revolucionária Cubana, de Ernesto Che Guevara; GUERRILHA: Peter Buchman e Benjamin A. van der Veen, baseado em Diário Boliviano, de Ernesto Che Guevara
Elenco: Benicio Del Toro, Julia Ormond, Rodrigo Santoro, Joaquim de Almeida, Demián Bichir, Sam Robards, Catalina Sandino Moreno, Franka Potente, Lou Diamond Phillips, Matt Damon

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IMDB O Argentino | Guerrilha

Invadem-me sentimentos contraditórios a propósito da mais recente produção de Steven Soderbergh, sobre alguns dos capítulos mais importantes da vida (e da morte) de Ernesto Che Guevara. O projecto, um filme em duas partes de mais de duas horas cada uma consegue ser consistentemente fascinante na primeira (O Argentino), mas alterna esse sentimento com alguma monotonia na segunda (Guerrilha), fazendo do resultado final uma experiência algo desequilibrada, mas que deve ser vista pelo maior número de possível de espectadores. Podem ler aqui algumas considerações da minha parte sobre O Argentino, onde perceberão todo o meu entusiasmo pela película em questão, e talvez pela sua enorme qualidade, aliada a alguns relatos que davam conta de um segundo filme mais intimista e humano, algo que me parecia a sequência lógica e ideal para as histórias deste homem controverso, o sentimento de desilusão relativo a Guerrilha acaba por ser inevitável.

Passo a tentar explicá-lo de seguida. Em primeiro lugar, aquilo que agrada verdadeiramente: mantém-se a extraordinária interpretação de Benicio Del Toro que, arriscaria mesmo dizer, consegue ser nestes dois filmes ainda mais impressionante do que algo que já lhe tenha visto para trás o que, tendo em conta o seu talento e qualidade, não é dizer pouco. Trata-se de uma profunda imersão na mente de um indivíduo movido por motivações revolucionárias, que não crê em Deus mas no Homem (como se fossem uma e a mesma coisa, diria eu), uma figura quase messiânica que, como saberá qualquer pessoa que nele já tenha ouvido falar, acabou vítima das suas próprias convicções ou, como outros preferem dizer, como um mártir da revolução. Del Toro carrega na sua expressão e no seu olhar tudo isso e muito mais. Depois, mantém-se a abordagem sem concessões de Soderbergh que, apesar de não colocar de parte a sua veia experimentalista, é bastante comedido, ao mesmo tempo que se recusa a oferecer-nos um filme de guerra convencional, recusando cortes rápidos na montagem ou explosões espectaculares, preferindo uma abordagem mais contemplatória. Alguns momentos, como a captura e a morte de Che, são filmados com uma mestria irrepreensível por parte de Soderbergh, levando até às últimas consequências o ponto de vista da personagem. Aliás, isso percebe-se imediatamente desde logo na subtileza com que o realizador encena todo o filme. Onde O Argentino, filme sobre o sucesso da revolução cubana, era filmado no formato panorâmico de 2.35:1 e as selvas apresentavam um verde mais vivo e saturado, Guerrilha, sobre o fracasso de uma revolução na Bolívia que culminou na morte do herói, é-nos apresentado no formato de 1.85:1 (o que significa que a largura da tela é menos do que na do filme anterior), e com cores mais esbatidas, na tentativa de conferir um sentimento de maior claustrofobia, que se sente não só aquando dos famosos ataques de asma de Che, mas também quando as guerrilhas oponentes se aproximam.

No entanto, estes méritos que não são poucos, sofrem de alguma dispersão emocional por parte do argumento. Se se mantém, sem sombra para qualquer dúvida, a toada mais pessoal e menos politizada, também é verdade que o filme não se dá tão bem quando encara o seu herói a caminho do insucesso. Porque, independentemente dos factos históricos, um filme é sempre um filme, e contar a história de alguém que parece nunca acreditar verdadeiramente no sucesso da sua caminhada, pode reflectir-se também negativamente na relação que o espectador mantém com o herói. Não duvido que fosse a intenção de todas as partes envolvidas tentar mergulhar no fracasso da mesma forma que o fizeram com o sucesso, mas com excepção feita ao actor que lhe dá corpo, nada mais parece funcionar verdadeiramente. Porque dificilmente se acredita no Che quase messiânico do primeiro filme, faltando cenas em que o seu discurso seja verdadeiramente encorajador, e nesse sentido a primeira parte parece-me mais pessoal e melhor conseguida, ao contrário do que esperava. Este parece-me mais frio e distante nesse sentido. Mas atente-se que ao escrever isto, não estou a pedir uma história sobre a glorificação de um homem que, em boa verdade, pouco me diz. Aliás, as convicções políticas pessoais nada têm a ver com a apreciação do filme. O problema desta contenção do discurso é que nas cenas que deixam Che fora de campo, e temos apenas ou os seus seguidores, ou os seus oponentes (liderados por um sólido Joaquim de Almeida como o presidente Barrientos da Bolívia), a presença exterior do protagonista não se faz sentir com a mesma força. Nunca paira no ar o sentimento de urgência que existia na primeira parte, tornando tais cenas quase dispensáveis, dando-se melhor quando apenas tem Del Toro como Che, preso à sua própria frustração.

Dito isto, não consigo estar tão entusiasmado com o projecto como quando vi O Argentino, mas em boa verdade também não posso deixar de o recomendar por muito daquilo que anterirmente escrevi. Além de que, obviamente, tendo o filme sido concebido primeiro como um longo projecto de mais de quatro horas de duração, não faz sentido ver apenas uma das partes em separado, que funcionam ao mesmo tempo como complemento e antítese uma da outra. E para os interessados, há que aproveitar esta altura em que ambas as partes se encontram em exibição simultânea para uma possível dose dupla que talvez até funcione melhor do que vista com umas semanas de intervalo.

O ARGETINO (PARTE I)

GUERRILHA (PARTE II)

João Paulo Costa

APPALOOSA

2009-04-07T12:23:00.006+01:00

Realização: Ed Harris
Argumento: Ed Harris & Robert Knott, baseado no romance de Robert Parker
Elenco: Ed Harris, Viggo Mortensen, Renée Zellweger, Jeremy Irons

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Um western de e com Ed Harris que, apesar de alguns méritos, não deixa de se revelar como uma oportunidade falhada de trazer nova vida ao mais clássico dos géneros americanos. Algumas das influências são bem perceptíveis e não fica nada mal evocá-las, com Rio Bravo à cabeça, mas para o fazer é necessário estar-se à altura das mesmas. Nem há nada de errado com o olhar de Harris propriamente dito (embora também pouco haja de realmente virtuoso), mas o argumento nem sempre dá às personagens, excepção feita aos protagonistas, – Harris e Viggo Mortensen, duas espécies de xerifes em regime freelancer (não sei se passam Recibo Verde) que chegam à pequena povoação de Appaloosa para colocar ordem na cidade – a espessura devida, e embora o vasto e talentoso elenco tenha momentos de brilho, especialmente ao nível dos diálogos (algumas trocas entre Mortensen ou Harris com Jeremy Irons, o vilão de serviço, são tensas e divertidas), a história em si parece nunca arrancar. E a figura feminina central, interpretada por Renée Zellweger, é pensada como uma mulher perturbada de Sam Peckinpah, mas construída como uma sopeira irritante, cujo drama interior, a existir, muito dificilmente nos diz alguma coisa. Pode ser bastante divertido a espaços, mas globalmente não encanta.

João Paulo Costa

GRAN TORINO

2009-04-07T11:56:00.005+01:00

Realização: Clint Eastwood
Argumento: Nick Schenk, a partir de uma história de Dave Johannson & Nick Schenk
Elenco: Clint Eastwood, Christopher Carley, Bee Vang, Ahney Her, Brian Haley, Geraldine Hughes, Dreama Walker, Brian Howe, John Carroll Lynch

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Aquele que tem vindo a ser anunciado como o último filme do grande Clint Eastwood à frente das câmaras, merecia um destaque maior do que aquele que aqui lhe reservo, mas é provável que cá volte no futuro, pois Gran Torino é bastante bom embora, ao contrário da aparente opinião generalizada, não esteja imune a falhas. Nada a apontar à excelente composição do Clint no papel de Walt Kowalski, num misto de humor sardónico (a la Dirty Harry) com uma dimensão humana especialmente tocante. E muito menos há a apontar à elegância do seu trabalho de realização, impecável e preciso nos movimentos de câmara, nos enquadramentos e respectiva duração. Apenas e só, devo confessar que o trabalho dos actores mais jovens me deixou de pé atrás, o que se revela particulamente grave quando muito do filme vive da relação do velho Walt com o miúdo hmong Thao (Bee Vang) e respectiva família. Não nos custa a crer na transformação desse velho recém-viúvo distante da sua família próxima e carregado de feridas de guerra num ser humano mais afável, mas esse elenco secundário não torna as coisas fáceis. O que vale é que o filme é, quase todo ele, de Clint, e consegue ser ao mesmo tempo intenso e também sinceramente divertido. E só por isso deve ser visto, por todos sem excepção.

João Paulo Costa

HOMEM NO ARAME (Man on Wire)

2009-04-07T01:24:00.005+01:00

Realização: James Marsh
Elenco: Philippe Petit & outros

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Um documentário interessante, baseado numa premissa tão simples quanto eficaz: um homem procura realizar um sonho de vida. Que sonho era esse? Nada mais nada menos do que andar suspenso num arame entre as Torres Gémeas em Nova Iorque. Philippe Petit, o funâmbulo a quem o título se refere, conseguiu-o a 7 de Agosto de 1974. O filme é curto, com cerca de 90 minutos, e intervala relatos filmados das personagens envolvidas no feito (que, entre outras coisas, era ilegal e foi conseguido através de um rebuscado e longo plano para enganar toda a segurança do World Trade Center), com imagens de arquivo da época. Apesar de por vezes o formato de filme narrado ser algo saturante, a vivacidade de Petit enquanto nos conta a sua história, e os relatos de outros intervenientes, conseguem oferecer à narrativa alguma densidade dramática, mesmo quando por vezes se desvia para um formato mais televisivo do que cinematográfico. Seja como for, merece uma espreitadela.

João Paulo Costa

Moderação de comentários

2009-03-23T14:33:00.002Z

É triste que, a poucos dias do CinePt comemorar 5 anos de existência no ciberespaço, tenha finalmente de activar a moderação de comentários. Ou seja, a partir de agora, cada comentário aqui deixado terá de ser aprovado por mim antes de ser publicado, porque há por aqui malta que se esqueceu que já não está na escola primária.

Durante todo este tempo, com uma ou outra excepção pontual, sempre tive uma excelente relação com todos os visitantes do blog e, entre discórdias e outras discussões, regra geral é sempre óptimo trocar ideias com os leitores. Espero continuar a fazê-lo com regularidade. Aliás, sempre me pareceram bastante estranhos os comentários de quem noutros espaços se queixava da falta de civismo dos comentários que lá deixavam, e foram necessários 5 anos para finalmente encontrar provas concretas, mas dizem que a estupidez, mais cedo ou mais tarde, acaba sempre por vir ao de cima. Claro que existe a boa estupidez, que volta e meia nos arranca risos, e a má estupidez, um puro e simples desperdício de tempo e de espaço no planeta, seja ele real ou virtual. Mas enfim, são os Rui Santos deste mundo, contra os quais pouco ou nada se pode fazer para além de ignorar.

O post já vai longo, tendo em conta que só queria passar uma informação simples, mas a verdade é que chateia um bocado ter de tomar estas medidas, até porque não permitem uma interacção tão instantânea com as pessoas que aqui deixam comentários. Espero que compreendam e não deixem de comentar.

João Paulo Costa

REVOLUTIONARY ROAD

2009-03-19T00:44:00.007Z

Realização: Sam Mendes
Argumento: Justin Haythe, baseado no romance de Richard Yates
Elenco: Leonardo CiCaprio, Kate Winslet, Kathy Bates, Richard Easton, Dylan Baker, Michael Shannon

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Depois de ter entrado de rompante pela porta grande do mundo cinematográfico com o magnífico American Beauty, Sam Mendes atingiu imediatamente uma posição privilegiada no seio da indústria, com os Óscares e os milhões de dólares conquistados por esse filme de estreia a conferirem-lhe toda a liberdade criativa para se lançar em quaisquer projectos que desejasse. E se há coisa que Mendes tem feito é explorar diversos géneros, conferindo-lhes uma marca pessoal que alguns, por motivos que me ultrapassam, classificam como mero academismo. Depois de American Beauty, seguiram-se o filme de gangsters com Road To Perdition e o filme de guerra Jarhead, e em todos eles as suas imagens de marca e assinaturas visuais estavam bem presentes, sempre ao serviço de boas histórias e, todos sem excepção, com exemplar direcção de actores, não fosse ele um nome grande do teatro londrino.

Este ano, quando todos esperavam um maior sucesso, Revolutionary Road deixou muitos indiferentes, e o filme não foi um êxito crítico ou de público, talvez por explorar e obscurecer ainda mais alguns temas comuns aos do seu primeiro filme. Não deixa de ser curioso, como muito se tem referido e com razão, que um autor britânico esteja tão empenhado em debruçar-se sobre temas tão americanos – embora, em boa verdade, sejam também profundamente universais. Com efeito, a adaptação do romance homónimo de Richard Yates sobre a vida de sonhos perdidos nos subúrbios americanos nos anos 50, acaba por fazer uma ponte com os temas de American Beauty, embora o tom mais satírico dê agora lugar a uma abordagem dramática ainda mais agressiva. E se o resultado não é uma obra-prima, está longe de ser o fiasco que muitos apontam, conseguindo o autor não só construir quadros belíssimos com o seu sentido de composição, como arrancar interpretações memoráveis e dolorosas dos seus actores.

Com um argumento construído como uma espécie de flutuação entre as memórias do passado e os sonhos que se projectam em contraponto com a crua realidade da vida suburbana, a câmara de Mendes como que segue as personagens – o casal Winslet/DiCaprio que há 11 anos deixou o mundo a chorar com o seu amor maior do que a vida em Titanic e que agora é um par de pais acorrentados a uma vida que abominam, enquanto se afastam cada vez mais dos próprios sonhos – e as observa sem se intrometer em demasia. E há ali cenas que vêm das entranhas, que atacam o espectador com uma brutalidade pouco usual neste tipo de obra. Neste particular, parece-me quase criminoso que se menospreze o trabalho desta dupla de actores, bem mais amadurecida (e melhor) do que nos tempos em que se tornaram grandes estrelas. Aqui, a química entre ambos é corrosiva, e parece desfazer tudo à sua volta, sobrando ainda espaço para um par de cenas em que Michael Shannon, como um perturbado e ocasional visitante do casal, confere uma sinistra onda de desconforto e faz subir ainda mais a temperatura.

Mas seria injusto reduzir Sam Mendes a um excelente director de actores, como muitos insistem em fazer, ignorando as suas restantes qualidades como dramaturgo cinematográfico, como se os seus filmes existissem sem um cuidado trabalho prévio de construção de cenas e ambientes. Além de se juntar a magníficos colaboradores – o director de fotografia Roger Deakins, o compositor Thomas Newman – Mendes tira de todos eles o seu melhor, dirigindo cada uma das componentes audiovisuais com uma segurança que não pode ser colocada em causa. Há toda uma cena, perto do final, cujo conteúdo não vou aqui revelar, mas que envolve uma mancha de sangue em expansão, onde a tranquilidade da montagem e da composição se revelam verdadeiramente perturbadores, deixando de lado diálogos e outras componentes supérfluas para se concentrar única e exclusivamente na força das imagens. Coisas destas só estão ao alcance de um cineasta dotado, e não de meros tarefeiros competentes. E não fosse um argumento talvez demasiado preso ao universo literário que adapta (alguns diálogos e temas, em cinema, resultam numa ligeira artificialidade), e teríamos aqui uma obra muito perto da perfeição. Assim, temos de nos contentar com... um grande filme.

João Paulo Costa

Take - Cinema Magazine

2009-03-17T10:06:00.005Z

Já chegamos ao número 13 que, por sinal, e ao contrário das superstições, se revela um número bastante interessante. Entre outras coisas que já aprendemos a esperar, temos ainda um perfil de Danny Boyle, esse Oscar winner cujo último filme tem vindo a polarizar reacções - inclusivé neste blog - e os próprios prémios da Academia são alvo de análise exaustiva por parte de alguns dos colaboradores. Claro, também fomos ao Fantas e revisitámos os clássicos. Tudo isto para ler, a um click de distância.

João Paulo Costa

IMAGENS DE PALERMO (Palermo Shooting)

2009-03-14T16:57:00.004Z

Realização: Wim Wenders
Argumento: Wim Wenders, Norman Ohler
Elenco: Campino, Giovanna Mezzogiorno, Dennis Hopper, Milla Jovovich

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Wim Wenders regressa com um filme de claras (e assumidíssimas) influências de Bergman e Antonioni. A história de um deprimido e perdido fotógrafo de moda (Campino) que uma série de circunstâncias, e um mistério descoberto por uma fotografia, conduzem a Palermo para uma sessão fotográfica (com Milla Jovovich, nem mais) muito deve a Blowup, ao passo que um encontro com a morte personificada é uma espécie de actualização da que Bergman nos apresentou, e imortalizou (?!), no mítico O Sétimo Selo. No entanto, não deixa de ser algo infeliz a forma como se debruça sobre o trabalho dos seus mestres. Logo à partida, porque existe no corpo da obra que Antonioni nos deixou, toda uma construção cinematográfica introspectiva, onde as imagens são trabalhadas e cuidadosamente construídas de forma a englobarem os temas maiores do autor, e as palavras são reduzidas ao essencial, que Wenders substitui por uma abordagem acelerada, insólita, e demasiado palavrosa. E essa abordagem repleta de diálogos à Bergman que, de forma oposta à que acontece com o sueco, são aqui constantemente inócuos nas suas finalidades, não ajudam à causa. Chega a fazer-se uma abordagem teórica/metafísica da fotografia que caberia de forma bem mais eficaz num qualquer manual académico do que numa longa-metragem de ficção. Assim sendo, não deixa de ser mais curioso que o filme esteja no seu melhor quando se liberta das amarras das homenagens e tenta ser mais um objecto de autor, ancorado numa competente mas não soberba interpretação de Campino. E todos sabemos que Wenders, apesar de algo inconstante nos últimos tempos, é um talentosíssimo realizador. Não serão, certamente, as piores duas horas numa sala de cinema este ano, mas a sua recta final completamente atabalhoada não permite uma avaliação positiva.

João Paulo Costa

Stanley Kubrick

2009-03-12T17:47:00.003Z

A ausência foi de quase um mês, mas não podia marcar este regresso às lides blogosféricas sem deixar uma palavrinha sobre Stanley Kubrick, porventura um dos mais significativos realizadores cinematográficos que algumas vez caminharam à face do planeta.

Descobri Kubrick a sério em finais de 1999, tinha 16 anos (numa altura em que começava a desenvolver de forma mais significativa o meu gosto cinéfilo) e sabia pouco sobre o homem. Sabia que tinha falecido antes da estreia do filme, e sabia que era o homem por detrás dos sustos que me pregara na infância com Shining, das emoções provocadas pelo épico de sandálias Spartacus e desse estranhíssimo 2001: Uma Odisseia no Espaço. No fim de semana de estreia, desloquei-me ao cinema para dar uma espreitadela a tão badalado título, que além de ser recordado como o último filme de um cineasta sensacional, estava também a ser demasiado falado por quem pouco ou nada entende de cinema, devido às escaldantes cenas entre o então casal Cruise/Kidman. Depois de De Olhos Bem Fechados, nunca mais esqueci Kubrick.

Não creio que existam muitos cineastas como Kubrick. A sua influência no cinema de tantos autores é amplamente vista todos os anos, e estende-se também aos meandros da cultura pop – quantas vezes já vimos referências aos objectos flutuantes no espaço ao som de Strauss, ou incontáveis citações de Dr. Estranhoamor, uma das mais divertidas comédias de sempre que contraria a ideia feita e preguiçosa de que Kubrick era um homem difícil, apenas por se querer manter afastado do circo mediático, e dos olhos do público. Em boa verdade, Kubrick nunca precisou disso, porque os seus filmes sempre falaram por sí, e neles podemos encontrar muitas ideias e temas que passam de filme para filme: das relações humanas, e mesmo entre o Homem e o Universo (quem diz que Kubrick era um realizador pouco “humanista” só pode ter estado a dormir durante maior parte do 2001), até a questões sociais e morais que, pessoalmente, me parecem ser os seus pontos mais fortes a esse nível. Os seus filmes são, de muitas formas, grandes sátiras sociais, frequentemente repletos de humor e sempre atentos ao nosso mundo – quem diz que Kubrick era um realizador muito hermético e parado no tempo, nunca deve ter percebido ao ver A Laranja Mecânica que este se encontrava claramente à frente do seu tempo. Era um humor negro, muitas vezes cortante e corrosivo, mas nunca inconsequente. E quando não queria ser tão explícitamente satírico, era de nos partir o coração – vejam-se os angustiantes minutos finais de Horizontes de Glória. Kubrick era também um realizador profundamente misterioso, sem grande interesse em seguir ondas ou caminhar em rebanho, daí De Olhos Bem Fechados permanecer um mistério tão grande hoje como há 10 anos atrás.

Mas Kubrick é também um dos mais distintos estetas da Sétima Arte, com cada um dos seus filmes – especialmente a partir de Horizontes de Glória a ser marcado por temas visuais únicos. Tanto que hoje se fala com facilidade num “plano Kubrick” ou num “cenário Kubrick”, numa prova derradeira da marca que nos deixou, tornando-se num adjectivo por si próprio. Se há um problema com este grande autor, é apenas e só o facto de não ter feito mais filmes, de não nos ter presenteado com mais obras nas quais pudéssemos mergulhar uma, outra e ainda outra vez, afundando-nos nos seus enigmas e deliciando-nos com o seu olhar.

O vídeo que se segue, deixado online por alguém que parece conhecer na perfeição a obra do realizador, parece-me uma bela homenagem que recupera algumas das características que anteriormente mencionei, e por isso mesmo agora partilho com os leitores.

NOTA: Apenas agora percebi que o YouTube removeu o áudio deste vídeo. Podem vê-lo tal como fora originalmente concebido neste link.

João Paulo Costa

Once Upon a Time...

2009-02-20T15:46:00.002Z

... in Nazi occupied France.

João Paulo Costa

O VISITANTE (The Visitor)

2009-02-19T19:35:00.004Z

Realização: Thomas McCarthy
Argumento: Thomas McCarthy
Elenco: Richard Jenkins, Haaz Sleiman, Danai Jekesai Gurira, Hiam Abbass

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Thomas McCarthy já tinha assinado, em 2003, o muito curioso The Station Agent, um pequeno mas bastante meritório filme sobre personagens muito peculiares, com um estilo visual discreto mas muito sóbrio, e excelentes interpretações. E essas características podem todas voltar a ser evocadas em relação ao seu novo trabalho que, embora globalmente não tão conseguido como o anterior, consegue manter-se sempre interessante. E é também um filme ensombrado por um certo negrume americano, ainda não refeito das profundas marcas dos atentados do 11 de Setembro, que nos mostra uma nação em plena crise de identidade. Se tanto se tem escrito recentemente (exageradamente, em minha opinião) sobre uma nova vaga de filmes mergulhados no desejo de mudança trazido pela eleição de Obama, este filme será sempre marcado pelo pessimismo da era Bush.

Tal como acontecia em The Station Agent, o protagonista de The Visitor também não se apresenta logo à partida como o mais afável dos seres humanos: o professor Walter Vale (Richard Jenkins) é um solitário, viúvo e com o filho ausente a estudar em Londres, que divide o seu tempo entre as aulas de política internacional e a suposta escrita do seu próximo livro – que visívelmente já não lhe despertam qualquer paixão – e o desejo de se dedicar à música, praticando regularmente, mas sem grande sucesso, no piano da sua falecida mulher. Mas, quando a respeito de uma palestra profissional, Walter tem de viajar até Nova Iorque, é surpreendido no seu próprio apartamento (que não visita há muitos anos) por um casal de imigrantes que lhe ocupou a casa por engano. E é no consequente contacto que inicia com os jovens de origens distintas – ele, Tarek (Haaz Sleiman) vem da Síria e ela, Zainab (Danai Jekesai Gurira) do Senegal – e na paixão que partilha com Tarek pela música, que Walter volta a sorrir pela primeira vez em muito tempo.

A consequente evolução do enredo deve ser deixada para descobrir no visionamento, mas algo acontecerá que mudará não só o rumo da história, como o próprio registo dramático, tornando-o numa obra com duas partes distintas. No que parece ser uma variação bastante interessante sobre o género da dramédia (essa mistura entre drama e comédia) popularizado nos últimos anos por cineastas como Wes Anderson, a primeira parte revela-se bastante inspirada, conseguindo misturar o drama pessoal da solidão de Walter com momentos sinceramente divertidos, fazendo-se valer da inspiração dos actores e do argumento. Mas a certa altura, esses fantasmas anteriormente mencionados (e muitas vezes referidos ao longo do filme) acabam por vir ao de cima, e o tom torna-se claramente mais sombrio. Aí, entra em campo outra personagem não menos interessante, a mãe também viúva de Tarek (interpretada por Hiam Abbass), cuja relação com Walter se torna no motor da narrativa. Entenda-se que não é a mudança dramática em sí que é problemática, pois faz todo o sentido no contexto do filme, mas a verdade é que a inspiração da primeira metade é substituída por um tom mais pesado e nem sempre certeiro, mas que nunca foge à natureza das suas personagens. E para, no final, nos sentirmos mais próximos de Walter, esta viagem seria sempre necessária.

Seja como for, nos melhores e nos piores momentos, é sempre Richard Jenkins quem domina por completo as atenções do espectador. O actor, uma cara mais ligada à comédia (faz parte da troupe habitual dos Coen), revela aqui uma força dramática que raras vezes tem oportunidade de exibir, mostrando-se tão eficaz nas cenas de comédia desconfortável como nas de contenção e explosão dramática. E é bom de ver que está a receber o merecido reconhecimento da crítica e dos seus pares, pois nem por um instante sucumbe ao peso da responsabilidade que carrega nos ombros, entregando-se a todas as cenas com uma qualidade impressionante. Mas, curiosamente, é nas cenas em que a personagem liberta o seu amor pela música e pelas batidas quentes que Jenkins brilha mais alto, conseguindo momentos realmente comoventes. E a música assume aqui também esse papel libertador num mundo quase sempre ilustrado em tons cinzento, e enquadrado à distância certa pela câmara de McCarthy. Pode ser uma obra globalmente desequilibrada, mas em que o carinho que nutre pelas personagens, e a honestidade com que aborda os seus temas a resgata da mediania.

João Paulo Costa

PASSATMEPO: Noite dos Óscares 2009

2009-02-18T13:03:00.003Z

Tal como aconteceu no ano passado, o CinePt irá oferecer 5 convites duplos para a noite dos Óscares a decorrer no Parque Nascente, domingo dia 22, tal como o seguinte anúncio esclarece:

"A “Noite Dos Óscares” será uma noite muito especial em que os Cinemas se fecharão para os convidados (com entradas gratuitas) e onde poderá escolher ver um dos muitos filmes que são candidatos às estatuetas, antes de ficar a conhecer os novos premiados. Será ainda uma oportunidade para fazer uma experiência 3D numa das Salas.

A “Noite dos Óscares 2008” começará às 20H30 e contamos consigo até ao limite da sua energia, podendo ficar apenas para ver um filme (a partir das 21H00), ou para a transmissão dos Óscares em directo até ao fim da cerimónia em Los Angeles."
-- Augusto Lobo, director C.C. Parque Nascente

Assim, quem estiver interessado, só tem de me enviar um e-mail (sob o assunto "Noite dos Óscares") com os seguintes dados: Nome, número de telemóvel e mail, que posteriormente serão cedidos à organização do evento. Os 5 primeiros participantes serão premiados, sendo o prazo limite para participação, as 12 horas do dia 20/02 - sexta-feira, portanto.

João Paulo Costa

Mulheres em perigo...

2009-02-11T23:50:00.004Z

Dressed to Kill (1980) de Brian de Palma

Halloween (1979) de John Carpenter

Suspiria (1978) de Dario Argento

... ou três génios do Cinema cujo trabalho por vezes não é levado tão a sério como deveria - excepto quando é levado mais a sério do que deveria.

João Paulo Costa

O LEITOR (The Reader)

2009-02-09T19:11:00.004Z

Realização: Stephen Daldry
Argumento: David Hare, baseado no romance de Bernhard Schlink
Elenco: Kate Winslet, David Kross, Ralph Fiennes

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1995. Michael Berg (Ralph Fiennes) recorda o passado no finalda década de 50 onde, com apenas 15 anos (aí interpretado por David Kross), conheceu Hanna Schmitz (Kate Winslet), uma mulher mais velha com quem iniciou uma relação, dividida entre a descoberta sexual para ele, e o maravilhamento literário para ela. Explicando: para além da relação sexual – e posteriormente amorosa – vivida entre ambos, Hanna fazia também questão de que o jovem Michael lhe lêsse alguns dos mais marcantes romances da história da literatura. Apesar de quase 15 anos se terem passado sobre o final da Segunda Guerra, a Alemanha procurava ainda uma identidade, e a relação entre ambos estabelece um evidente paralelismo com a própria nação: da perda da inocência, ao desejo de começar de novo, mas com a perturbadora sombra de um passado violento por trás. Mas um dia Hanna desaparece sem deixar rasto... E, porque The Reader é também um filme sobre segredos, um particularmente assombroso acabará por emergir na vida dela e marcar a dele de forma indelével.

The Reader marca o regresso de Stephen Daldry à cadeira da realização pela primeira vez desde que estreou The Hours, em 2002, e traz consigo o argumentista desse filme, o também britânico David Hare. Tal como The Hours, The Reader constrói a sua narrativa a partir da flutuação temporal, numa viagem marcada pelas elipses que têm sido comuns a algumas das estreias deste ano – ainda não vi Frost/Nixon, mas até ao momento os restante 4 nomeados ao Oscar de Melhor Filme partilham esta característica. Mas ao contrário do que acontecia na adaptação do romance de Michael Cunningham, onde a derivação cronológica assumia um papel fundamental no desenvolvimento da narrativa, aqui é uma opção tão aleatória quanto contar a história de forma linear, mas não é por aí que o filme é necessariamente pior. O grande problema é que nenhuma das ideias que o argumento aborda parecem exploradas da melhor forma: inicialmente, o romance entre Michael e Hanna parece surgir do nada (percebe-se perfeitamente o fascínio sexual de um jovem por uma mulher mais velha com o aspecto de Kate Winslet, mas o contrário é pouco convincente), embora essa vertente de descobertas por parte de ambas as personagens acabe por funcionar bem; a meio, há um julgamento que explora de forma dramticamente complexa os horrores e memórias do Holocausto e uma reflexão moral sobre aqueles que nele tomaram parte; finalmente, na recta final, a catarse de Michael surge, é certo, mas não é devidamente acompanhada emocionalmente pelo espectador.

E ao longo de duas horas, parecem tão evidentes os méritos quanto os deméritos de The Reader, numa caminhada que nunca consegue convencer verdadeiramente. É de saudar uma visão pouco maniqueísta e nada simplista dos temas que aborda, algo que nem sempre prevalece neste tipo de obra, mas não raras vezes surgem também um par de cenas aparentemente vazias de ideias cinematográficas. Stephen Daldry nunca foi um realizador particularmente brilhante em termos visuais, mas até aqui conseguia disfarçar as suas limitações: em Billy Elliot nunca parecia levar-se mais a sério do que devia; em The Hours, o argumento e o elenco sobrepunham-se ao resto. E agora? Do elenco, pouco há a apontar, com Kate Winslet a merecer os elogios de que tem sido alvo, defendendo uma personagem deveras complicada, saindo-se bastante bem, como de resto é seu hábito. O jovem David Kross revela-se surpreendente, conseguindo conjugar o fascínio adolescente e um impressionante contenção dramática. Curiosamente, Ralph Fiennes, apesar de nunca conseguir ser mau, pouco mais faz aqui do que caminhar cabisbaixo de cena para cena. Mas o argumento nunca consegue ser constante, o que faz sobressair ainda mais as fragilidades do seu autor, cuja realização ocasionalmente parece resvalar mais para uma sensibilidade de mini-série do que cinematográfica. Esperava-se melhor, dado o talento envolvido e a excelente história que havia para contar, mas no final sobra pouco mais do que um grande trabalho de dois actores num projecto que não esteve à sua altura das potencialidades.

João Paulo Costa

Take - Cinema Magazine

2009-02-08T16:15:00.005Z

O novo número da Take já se encontra online e, como compreenderão durante a leitura do mesmo, trata-se de uma edição especial, porque marca o primeiro aniversário de um projecto ao qual nos temos vindo a dedicar com todo o gosto, e que esperamos venha também a ser o primeiro de muitos. Passem pelo site, e aproveitem os artigos, passatempos e críticas que, esperamos, continuem a ser do vosso agrado.

João Paulo Costa

VICKY CRISTINA BARCELONA

2009-02-06T19:39:00.006Z

Realização: Woody Allen
Argumento: Woody Allen
Elenco: Rebecca Hall, Scarlett Johansson, Javier Bardem, Penélope Cruz, Patricia Clarkson, Kevin Dunn, Chris Messina

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Depois de três filmes em Londres sobre o crime, e antes de regressar à sua Manhattan para se reunir com Larry David (desta vez oferecendo um papel a sério ao co-criador de Seinfeld depois de cameos em alguns filmes), Woody Allen ainda encontrou tempo para passear por Barcelona, oferecendo-nos um filme a meio caminho entre os seus títulos menos bons e os realmente indispensáveis na sua carreira. Dito de outro modo, Vicky Cristina Barcelona não fará mal a ninguém, e é capaz de divertir muitos espectadores (mesmo alguns não familiarizados com a obra do realizador), mas dificilmente será um dos títulos a que mais irei voltar no futuro. Ainda assim, há por lá coisas muito boas que não convém ignorar.

Vicky (Rebecca Hall) e Cristina (Scarlett Johansson) são amigas e partem de Nova Iorque para Barcelona na esperança de conseguirem um Verão bem passado. Vicky está prestes a casar com o seu noivo, e aproveita as férias para mergulhar na cultura catalã, e Cristina é uma jovem sexualmente liberal, com ambições artísticas constantemente postas em causa pela sua insegurança. Quando conhecem o sexy Juan António (Javier Bardem), um pintor marcado pelo fim atribulado de uma relação anterior, começa a formar-se uma aventura amorosa/sexual não estranha à assinatura de Allen, mas desta vez preenchida com uma dose de sensualidade pouco habitual no seu trabalho, mas muitíssimo bem explorada. Se há aqui méritos, o de conseguir sacar da tensão sexual entre as personagens motivos para abordar a expressão artística e o amor, só pode ser o maior, especialmente quando a estes se junta também Penélope Cruz, como a problemática ex-amante de Juan António, que eleva o filme ao seu patamar mais elevado – e a interpretação da actriz espanhola merece todos os elogios de que tem sido alvo, e mais alguns extra.

Muito se tem falado na abordagem bilhete postal que Allen conferiu a Vicky Cristina Barcelona, como se se tratasse de uma mera passagem exibicionista de alguns dos pontos marcantes de Barcelona. Quanto a mim, nada a apontar de errado ou excessivo, até porque convém não esquecer que tudo começa como sendo uma viagem turística a Barcelona, sendo uma das personagens estudante de cultura catalã, daí essa aparência de fascínio por essas obras de valor histórico, cultural e artístico, especialmente porque estes dois últimos pontos são importantíssimos temas do filme. Essa sexualidade pouco usual em Allen não estará de todo alheia à localização da acção em território mediterrâneo, e nesse aspecto, Barcelona parece sempre uma personagem importante, com a sua luz, cores (bela fotografia de Javier Aguirresarobe, que por exemplo colaborou com Almodóvar em Fala Com Ela) e a sua arte a possuirem as personagens. E essa visita aos lugares-comuns de Barcelona é rápida e termina na altura certa, para se centrar nas suas personagens e relações que entre elas se estabelecem, e é aí que o filme realmente se torna melhor.

Seja como for, há algumas opções que destoam e incomodam um pouco, nomeadamente no terceiro acto, e que me remetem para outra filme do autor americano, ainda assim mais conseguido mas não perfeito, que é Hannah and Her Sisters. Porquê a comparação? Porque, tal como nesse filme de 1986, também se sente que as teias amorosas tão bem construídas ao longo do argumento acabam por ser rematadas com uma simplicidade algo redutora. Curiosamente, ou talvez não, ambos os filmes utilizam a narração em off como um recurso estilístico facilitista. Ou seja, na sua recta final, a narração parece intrometer-se em demasia, servindo para relatar com texto aquilo que as imagens deveriam contar. Não está em causa o final como destino das personagens, mas a sua concretização até chegar a esse ponto. De resto, em termos de construção sentimental da narrativa, não é nada a quem Allen não nos tenha já habituado, deixando espaço para alguns deliciosos diálogos com a sua marca, e belos desempenhos do elenco, onde Scarlett Johansson talvez seja o elo mais fraco, mas também porque a sua personagem parece a menos bem escrita.

Mas Vicky Cristina Barcelona carrega também uma grande dose de homenagem aos seus mestres europeus, dando algum descanso a Bergman e evocando nomes que sempre assumiu como favoritos mas poucas vezes abordou de forma tão directa. Truffaut é dos que mais vem à cabeça, não só pelas desventuras amorosas de um quarteto amoroso, mas também sob o ponto de vista estilístico, dando mais uma prova de que, ao contrário do que muitos afirmam, Allen é também um grande realizador, além de brilhante argumentista. Aliás, no corpo da sua obra, há muitas vezes espaço para o experimentalismo, não estivessemos nós a falar do homem que nos trouxe coisas como Zelig, Deconstructing Harry ou Shadows and Fog, títulos que independentemente dos seus méritos, revelam um realizador sempre pronto a explorar novos terrenos cinematográficos. Aqui, as constantes “brincadeiras” com a luz, a profundidade de campo e a montagem, integram-se perfeitamente nesse espírito de homenagem e ao mesmo tempo na história contada. Não custa admitir que Allen já fez melhor, mas depois de um intenso, fabuloso e completamente subvalorizado Cassandra's Dream, o realizador merecia um pequeno descanso activo. Nada conta. Fossem todos os filmes menores como este, e o mundo estaria muito mais bem servido.

João Paulo Costa

VALQUÍRIA (Valkyrie)

2009-02-03T00:00:00.006Z

Realização: Bryan Singer
Argumento: Christopher McQuarrie & Nathan Alexander
Elenco: Tom Cruise, Kenneth Branagh, Bill Nighy, Tom Wilkinson, Clarence van Houten, Terrence Stamp, David Bamber

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Valkyrie marca não só o regresso de Bryan Singer ao universo de suspense que havia abandonado nos últimos anos em detrimento da realização de películas de super-heróis, mas tal regresso é também acompanhado pelo de Christopher McQuarrie , o argumentista dos dois primeiros filmes de Singer, que desde a sua estreia na realização em 2000 com o bizarro The Way of the Gun, não assinava qualquer trabalho - aqui fá-lo em conjunto com Nathan Alexander. E, claro, marca também o regresso de Tom Cruise como protagonista central, três anos depois do último título da saga Mission: Impossible. Pode-se dizer desta obra que não será o pico da carreira de nenhum dos intervenientes, mas é um trabalho sólido que, quando capaz de se soltar de uma meia hora inicial algo morna, nos consegue agarrar à cadeira.

Quando um grupo de oficiais alemães, desgastados com a onda de destruição e o holocausto, bem como com a imagem que Adolf Hitler tem vindo a deixar da Alemanha no mundo, decidem avançar com um plano para assassinar o Terceiro Reich, recrutando o Coronel Claus von Stauffenberg (Cruise) para o levar adiante - e a chave do sucesso pode estar precisamente na Valquíria de Wagner, que Hitler tanto apreciava. Ora, mesmo aqueles que não tenham um grande conhecimento sobre a Segunda Grande Guerra, conhecerão certamente o destino de Hitler, e saberão de antemão que o plano nunca produziu os efeitos desejados. Dito isso, o mérito de Singer, McQuarrie e Alexander é enorme, conseguindo ainda assim deixar-nos à beira de um ataque de nervos, dramatizando momentos aparentemente reais de forma a servirem na perfeição este thriller muito bem apanhado. Já sabemos que Hollywood não é conhecida por respeitar sempre os eventos históricos tal como aconteceram, mas nas condições certas, é bem capaz de criar entretenimento de qualidade, e Valkyrie é isso mesmo. Aqueles que reclamam coerência histórica (que, admito, desconheço estar presente ou não no filme, e pouco me interessa) terão certamente à disposição inúmeros documentários e documentos escritos onde podem consultar factos. A encenação cinematográfica, essa, é bem competente.

A escolha de Cruise para dar corpo ao Coronel é também inspirada por mais do que um motivo. Primeiro, porque carrega consigo a dedicação e presença habituais, não desiludindo nem um pouco num papel difícil mas bem preenchido. Depois, porque Cruise é o tipo de estrela à maneira clássica, com o dom de deixar confortável o espectador comum habituado a ver nele o herói, o que dá um jeito especial se esse herói aparece frequentemente equipado com as insígnias nazis e uma pala num olho. Já Hitchcock dizia que uma estrela era o veículo mais eficaz para solidificar o elo entre espectador e personagem. A outra lição que parece ter sido bem estudada na obra do mestre britânico é a de que para criar verdadeiro suspense, não se pode esconder os dados todos, só assim permitindo ao espectador o grau necessário de informação que o faça sentir parte da trama, em vez de ser surpreendido no último minuto com uma revelação bombástica – isto não é, de todo, uma crítica a The Usual Suspects, o filme que colocou Singer no mapa e do qual sou um grande fã, mas apenas uma nota pare se lembrar que existe mais do que um caminho a seguir, que pode ser igualmente eficaz. Chega a ser insuportável, no bom sentido, assistir a algumas das cenas tão milimetricamente orquestradas, cujo efeito é reforçado pela excelente banda sonora e a perspicaz exploração dos espaços, enquadramentos e ângulos de câmara.

De resto, é um filme agradavelmente sóbrio, mostrando que mesmo depois das suas recentes incursões no universo da BD e dos orçamentos gigantescos, Singer soube dosear na perfeição os meios de que aqui dispõe, não se deixando levar pela tentação das explosões constantes, ou pela moda das montagens desconexas e a alta velocidade que parecem actualmente dominar o cinema de acção. De negativo, a já referida meia hora inicial, que com alguns problemas de ritmo, nunca consegue ser tão absorvente quanto deveria. Além disso, fica a sensação de que poderia ser dedicado mais algum tempo às cenas de Stauffenberg com a família (porque as que existem são muito boas) do que às discussões políticas dos primeiros minutos – embora seja compreensível a necessidade de fornecer algum contexto histórico. E Kenneth Branagh é, dos elementos secundários do elenco, o menos bem aproveitado. Mas quando finalmente arranca, Valkyrie fá-lo a todo o gás, e revela-se um belo pedaço de entretenimento, bem longe do desastre que muitos vaticinavam. Venha agora Tarantino e o seu Inglourious Basterds, que aparentemente recupera temas idênticos e pelo qual, confesso, mal posso esperar.

João Paulo Costa

QUEM QUER SER BILIONÁRIO? (Slumdog Millionaire)

2009-01-30T19:34:00.008Z

Realização: Danny Boyle
Argumento: Simon Beaufoy, baseado no romance Q&A de Vikas Swarup
Elenco: Dev Patel, Freida Pinto, Madhur Mittal, Anil Kapoor

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A reacção de público e da generalidade da crítica, associada a uma bastante simpática temporada de prémios tem vindo a fazer de Slumdog Millionaire um dos filmes mais falados desta altura do ano. O alarido é tanto mais estranho se pensarmos que o seu realizador, o britânico Danny Boyle, nunca foi um nome particularmente consensual. Será, então, que se justifica toda esta algazarra em torno de um objecto cinematográfico rodado na Índia sobre uma improvável história de amor e fé? Enfim, não será difícil compreender algum do seu apelo popular, neste conto sobre um jovem que, em miúdo, se tornou órfão, foi explorado, se separou da mulher que ama e acabou como milionário num concurso televisivo. Mas, muito honestamente, a sua exploração cinematográfica parece-me bastante aquém do ideal, sendo inevitável a sensação de estarmos perante um dos mais sobrevalorizados filmes dos últimos tempos.

Danny Boyle mantém-se fiel ao seu estilo muito particular, que muitos gostam de chamar de publicitário ou derivativo dos vídeos musicais, mas cujas tendências quinéticas aceleradas e o gosto pelo insólito funcionavam bastante bem em títulos como Trainspotting ou 28 Days Later, e menos bem em outros como Sunshine ou Millions. Aqui, parece conseguir um híbrido que acaba por tornar o filme francamente desequilibrado: interessante em alguns momentos – os iniciais – e profundamente inconsequente noutros – na recta final, descamba com frequência. E nem me incomodam particularmente as suas liberdades formais quando pretende retratar, através de imagens e uma montagem soltas, a vivência nas ruas indianas. Incomoda é quando esses excessos impedem que o espectador estabeleça uma verdadeira ligação emocional com as personagens e a sua história: até Austrália, por entre todos os seus exageros, conseguia arrancar mais paixão do seu duo de apaixonados. E como essa ligação só se consegue a espaços, parece recorrer-se a ainda mais artificios que nos distraem do seu verdadeiro núcleo.

Tal como The Curious Case of Benjamin Button e Milk, o argumento é construído de forma a englobar diversas etapas da vida do protagonista, contado do presente para o passado por uma das personagens da narrativa. Mas aquele que parecia à partida o conceito menos vulgar (cada pergunta do concurso remete para um episódio da vida do concorrente), acaba por ser o que mais rapidamente se esgota numa série de banalidades. Mais desapontante se torna quando no final, tudo é rematado com um mero “porque sim”, não sem que haja tempo para um número musical que nos mostra que, apesar dos momentos mais duros, tudo está bem quando acaba bem. Estes desequilíbrios acabam por se alastrar ao próprio desenvolvimento das personagens. A história de amor nunca soa a verdadeira, e se um dos dois principais “vilões” consegue ser particularmente assustador, o outro, que gosta de ver críquete na televisão e maltratar a mulher, parece uma versão sem piada de Archie Bunker. E o problema nem está no elenco de actores desconhecidos aos olhos ocidentais, que apesar de dar o seu melhor, não tem personagens suficientemente espessas a explorar.

Os parágrafos anteriores podem dar uma ideia mais negativa de Slumdog Millionaire do que a desejada, mas a desilusão prevalece acima de tudo o resto. Nos primeiros minutos, a vitalidade da câmara e uma montagem não tão aleatória quanto parece, conseguem manter-nos interessados, e algumas das cenas mais duras e violentas são abordadas com comedimento, evitando exageros dramáticos. Mas é quando tudo se torna mais leve que entram em campo a previsibilidade e o excesso de açúcar, presentes com uma vontade enorme de agradar à maior fatia possível de público, mesmo quando isso significa ignorar a natureza das personagens. O final é bastante previsível, e daí não viria nenhum mal ao mundo se a emoção estivesse no lugar certo. Mas como nunca percebemos sequer muito bem como (ou porque) é que o romance entre os protagonistas nasce, isso acaba por nunca interessar verdadeiramente. Depois de tanta aclamação e prémios, o sabor torna-se inevitavelmente amargo, e Slumdog Millionaire não parece ser, de todo, o grande filme que tanto se tem proclamado.

João Paulo Costa

MILK

2009-01-28T01:22:00.005Z

Realização: Gus Van Sant
Argumento: Dustin Lance Black
Elenco: Sean Penn, James Franco, Emile Hirsch, Diego Luna, Victor Garber, Josh Brolin

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Depois de uma série de projectos independentes e mais ou menos experimentais, Gus Van Sant está de volta a uma onda mais mainstream, se assim o pudermos classificar, trazendo-nos desta feita um biopic sobre Harvey Milk, o primeiro americano assumidamente homossexual a ser eleito para um cargo público. Com Sean Penn a dar corpo ao protagonista, e um orçamento relativamente maior do que o dos seus últimos projectos (ainda assim a uma distância considerável dos meios de produção dos grandes estúdios), é com prazer que se verifica que o cineasta, apesar de mais acessível, conservou a sua marca e não se perdeu com um produto anónimo e banal, coisa que Milk está longe de ser, apesar das indicações que pudessem apontar nesse sentido.

E por acaso, o argumento de Dustin Lance Black até nem se diferencia muito daquilo a que estamos habituados a ver neste género de cinema, apresentando (em retrospectiva) os momentos mais relevantes de uma vida marcante, as grandes vitórias, as derrotas pessoais, culminando naquilo que todos sabemos ter acontecido a Milk, que de resto é desvendado logo nos primeiros minutos: a morte às mãos do também político Dan White. Também há virtudes no guião de Black, nomeadamente nos momentos em que consegue criar uma verdadeira sensação de intimidade entre algumas personagens, nomeadamente entre Milk e o seu amante Scott, que ultrapassam o que pode ser visto apenas como sinceridade (homo)sexual. Mas o que marca realmente a diferença é a forma como Van Sant filma esses momentos, aplicando aquela magia habitual no seu cinema, sempre tão à vontade quando se torna realmente íntimo, conseguindo momentos arrepiantes que vão para além da mera (embora curiosa) escolha de enquadramentos bizarros ou trabalho de câmara, da beleza da fotografia de Harris Savides e da música de Danny Elfman, ou da hábil e engenhosa montagem que combina imagens de arquivo com encenação ficcional. A forma como Van Sant encena a cena da morte de Harvey Milk é de uma beleza visual e sentimental que certamente irá ser por aqui recordada durante muito tempo.

Quanto a Sean Penn, é impossível ignorar novamente todo o seu talento aqui com um trabalho que, independentemente da semelhança de maneirismos com a figura real, e que a julgar pelas imagens de arquivo que vi, até parece bastante próxima da composição do actor, consegue emergir com uma intensidade emocional bastante certeira. Portanto, é mais um brilhante desempenho a juntar a tantos outros que nos tem vindo a oferecer ao longo dos tempos, merecendo por isso todos os louvores. O elenco de secundários é todo ele bastante seguro, de James Franco a Emile Hirsch, mas entre estes o principal destaque vai para Josh Brolin, que interpreta a figura de Dan White com um misto de contenção e explosão sempre em pleno controlo emocional. Percebemos imediatamente que há algo reprimido para lá daqueles olhos – o argumento sugere mesmo um caso de homossexualidade escondido, mas seja o que for, surge sempre como uma ameaça constante na personagem, capaz de nos provocar total desconforto.

Independentemente do que se diga sobre Milk durante esta temporada de prémios em que até está a ser um caso de particular sucesso, ou do que se escreva sobre a importância da sua temática gay em abrir mentalidades mais conservadoras, o que importa realmente sublinhar é a qualidade superior do produto final, que se posiciona claramente entre os melhores Van Sant, o que por si só já quer dizer bastante. Quando um filme consegue ser emotivo e inspirador, verdadeiro e genuíno, assustador e comovente, então só pode merecer rasgados elogios. E, acima de tudo, é uma lufada de ar fresco no tão monótono tratamento que o cinema americano (e não só) tem dado de figuras reais.

João Paulo Costa

2009-01-23T12:51:00.009Z

Há filmes assim, que nos deixam arrebatados porque se juntam um genial autor à interpretação de uma vida. Isabelle Adjani é Adèle H. no filme de François Truffaut, e leva-nos consigo ao sofrimento e à loucura.

João Paulo Costa

Take - Cinema Magazine

2009-01-20T10:52:00.003Z

O 11º número da Take já se encontra online e, pessoalmente, gosto bastante desta nova capa, que recorda os 40 anos de carreira como realizador de um dos meus grandes heróis cinematográficos. De resto, o leitor já sabe que pode contar com artigos originais, críticas, antecipações e passatempos, aos quais se junta nesta edição o inevitável olhar sobre as estreias do ano passado.

Paulo Costa

O ESTRANHO CASO DE BENJAMIN BUTTON (The Curious Case of Benjamin Button)

2009-01-19T12:34:00.005Z

Realização: David Fincher
Argumento: Eric Roth, baseado no conto de F. Scott Fitzgerald
Elenco: Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, Tilda Swinton, Julia Ormond, Elias Koteas, Jason Flemyng, Mahershalalhashbaz Ali

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Inspirado num conto de F. Scott Fitzgerald, O Curioso Caso de Benjamin Button resulta numa das mais fascinantes, senão perfeitas, viagens cinematográficas do ano. Partindo da história de um homem, o Benjamin Button do título, que nasce velho e rejuvenesce em direcção à morte, David Fincher volta a incidir num tema que já marcara fortemente o seu último filme, Zodiac: a passagem do tempo, a obsessão sobre a qual o realizador desta feita se debruça. Mas passa também (consequentemente) por aqui um olhar permanentemente assombrado pela presença da morte e da degradação do corpo, disfarçado de épico fantástico.

Eric Roth, o argumentista encarregue de adaptar o conto ao grande ecrã, percebeu isso mesmo, ao mesmo tempo que optou por uma abordagem com muitos pontos em comum com o que será o seu argumento mais conhecido, o de Forrest Gump, ou seja, encontra num homem cujas características o tornam diferente o veículo para reviver a história com um outro olhar. E transmite essa história como uma sequência de episódios passados relatados no presente por uma das personagens. Ainda assim, penso que será precisamente na forma como Roth não consegue encontrar uma clara linha narrativa que reside a principal fraqueza de um filme quase imaculado. Mas além de por vezes também exagerar no esclarecimento explícito dos seus temas, seria injusto não afirmar que consegue retirar das personagens uma emotividade rara, tornando esta numa das mais comoventes histórias dos últimos anos.

Em muito contribui também um elenco muitíssimo bom, de onde se destacam Tilda Swinton e Taraji P. Henson em papéis secundários e acima de tudo Brad Pitt como o Benjamin Button do título e Cate Blanchett como Daisy, onde o protagnista encontra o caminho para a felicidade mas também as consequências da maldição da sua condição. É particularmente interessante a forma como se desenvolve a relação entre ambos, nomeadamente no inevitável desencontro dos corpos incapazes de fugir ao seu destino natural. Se Pitt se revela especialmente impressionante representando praticamente todas as fases da vida do homem que encarna (recorreu-se aos mais espantosos efeitos especiais de forma a colocar as feições do actor em corpos distintos, envelhecido ou rejuvenescido conforme as necessidades da história), Blanchett continua a mostrar a classe de sempre, numa personagem difícil e totalmente ganha em todos os sentidos.

Mas os grandes destaques têm caído sobre o trabalho do realizador, que desde há mais de uma década é sinónimo de grande presença visual e forte personalidade, e a verdade é que David Fincher torna quase imperceptíveis os ligeiros problemas de argumento, oferecendo-nos algumas das mais poderosas imagens deste início de ano, onde se percebe perfeitamente essa enorme vontade em elevar a fasquia. Mas não o faz recorrendo a distracções inúteis, e sim a elementos que tentam sempre acrescentar algo à narrativa, enriquecendo-a com imagens lindíssimas (a fotografia de Claudio Miranda é arrepiante, especialmente se tivermos em conta que foi toda trabalhada digitalmente), ou efeitos visuais minuciosos, entre outras pequenas maravilhas. Para ser admirado pelas suas virtudes, que relegam os defeitos para um segundo plano (quase) insignificante.

Paulo Costa

Memórias de infância II

2009-01-17T00:16:00.004Z

Hoje deveria estar a escrever sobre The Curious Case of Benjamin Button, mas não me apetece. Assim sendo, vou retomar o meu próprio baú de tesourinhos (para uns deprimentes, para outros não tanto, espero) onde guardo memórias marcantes da minha infância cinematográfica.

O filme de hoje é Ms. 45 um filme de vingança coberto de sangue, assinado por Abel Ferrara. Vi-o uma única vez, quando me encontrava em casa com o meu irmão, quando os meus pais tinham saído. Passou na RTP2, e devo confessar que me prendeu de imediato. Ora, para quem desconhece a coisa, aqui fica o trailer:

Pois é, trata-se da história de uma jovem bastante atraente, (Zoë Lund, que no futuro viria a co-escrever Bad Lieutenant para Ferrara, e morrer no final dos anos 90 com problemas derivados da droga) que é violada não uma, mas duas vezes no mesmo dia, por dois tipos particularmente nojentos. Emocionalmente destruída, torna-se numa vingadora mortífera, despachando todos os homens dúbios com quem se cruza. O vídeo seguinte, que encontrei no YouTube após pesquisa, recorda alguns dos momentos altos do filme, um produto datado (tresanda a anos 80, sem dúvida, onde a certa altura um tipo até usa matracas como arma de ataque pessoal) mas ainda assim algo perturbador. Estava borrado de medo nessa noite em que o vi em casa, mas ao recordar estas imagens volta também a sensação desagradável de desconforto, mesmo até ao apoteótico final numa festa de máscaras.

Paulo Costa

A TROCA (Changeling)

2009-01-08T23:53:00.008Z

Realização: Clint Eastwood
Argumento: J. Michael Straczynski
Elenco: Angelina Jolie, John Malkovich, Gattlin Griffith, Amy Ryan, Devon Conti, Michael Kelly, Colm Feore, Jeffrey Donovan, Geoffrey Pierson

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Se há coisas que o cinema nos tem ensinado ao longo dos anos (e tem-nos ensinado muito) é que os grandes autores, aqueles verdadeiramente bons, apenas se tornam melhores com a idade e, mesmo quando ocasionalmente estreiam algo menos condizente com o seu estatuto, são capazes de logo depois dar a volta e produzir pérolas absolutamente avassaladoras. Clint Eastwood é um caso particularmente interessante, pois apesar de uma carreira já muito longa atrás das câmaras, apenas em finais dos anos 80, início dos 90, começou a ser visto pela generalidade como o grande cineasta que realmente é. Mas mais do que isso é um autor que, de filme para filme, nomeadamente desde Mystic River (com a excepção de Flags of our Fathers, de que não consigo gostar partiuclarmente), tem vindo a manter a barra bem elevada. Aos 78 anos, Eastwood estreia entre nós dois filmes em três meses, e é com bastante satisfação que constato que o primeiro deles, Changeling, irá posicionar-se entre os seus melhores trabalhos e, diria mesmo, trata-se do seu melhor desde o fabuloso Unforgiven, de 1992. E dizer isso, acreditem, é dizer muito.

Changeling começa por se apresentar como “uma história verídica”, e essa mensagem por vezes utilizada com efeitos meramente sentimentais, é absolutamente fundamental para o sucesso do filme, não fosse algum espectador mais impaciente ter dificuldade em aceitar o lado quase surreal desta trama. Em 1928, Christine Collins perdeu o seu filho, aparentemente raptado em casa quando esta se encontrava no trabalho. Cinco meses mais tarde, a polícia informa-a de que encontrou o jovem mas, assim que dá de caras com o rapaz, não reconhece nele o seu filho. A polícia de Los Angeles, a atravessar uma crise de popularidade aos olhos do público, insiste que este é o rapaz desaparecido, mas Christine tudo fará para provar que o miúdo que tem em casa não é o seu filho desaparecido. E porque a realidade pode por vezes ser mais estranha do que a ficção, muita coisa mais há ainda por descobrir neste insólito caso.

Podemos dizer que Changeling se trata de um dos mais sombrios trabalhos do grande Clint, mas ao mesmo tempo dos mais completos que já assinou como realizador. Há drama intenso, e chora-se bastante no filme, mas há também uma vertente de mistério polícial e ainda uma outra de drama de tribunais e, porque não dizê-lo, do mais puro horror, mas tudo funciona na perfeição, sem nunca se sobrepôr ao que realmente interessa: a vertente humana e a luta interminável de Christine para descobrir o paradeiro do seu filho. É um toque que distingue os grandes cineastas dos realizadores menores, e como Eastwood já nos habituou, cada cena do filme, cada plano, cada opção visual e estética existe porque tem de existir, não havendo um momento dispensável nesta longa e tenebrosa odisseia de 140 minutos. Pelo meio, não só nos toca como um comovente conto de amor de uma mãe por um filho, como ainda reflecte sem pregar sobre outras importantes temáticas morais e sociais – afinal de contas, uma mãe independente a desafiar as autoridades não eram bem vistas naquela época, mas algo disso ainda permanece bem actual. Mérito de um excelente argumento de J. Michael Straczynski que nunca deixa a história descarrilar e, mesmo quando existem momentos em que parece posicionar-se para se prolongar por caminhos que não necessita percorrer, acaba por dar a volta e reforçar a sua solidez.

Para o último parágrafo, tinha de deixar os maiores elogios para essa fabulosa actriz que, quando na disposição certa e com os papéis devidos, nada deve às mais talentosas colegas de trabalho. Falo, claro, de Angelina Jolie, que acerta em cheio cada nota que toca neste verdadeiro turbilhão de emoções. É vê-la ora no máximo de contenção como em rasgos de fúria exaltada, obrigando-nos a sentir bem de perto as emoções por que passa a sua personagem. E Eastwood sabe sempre como e a que distância colocar a câmara para extrair daqueles fabulosos olhos tudo o que precisa. Há outras sólidas interpretações ao longo da película, mas Jolie eleva-se a todos eles e entrega-nos o seu melhor trabalho até à data. Começar 2009 com um filme como Changeling só pode ser um bom prenúncio de coisas boas que se avizinham, mas mesmo que mais nenhum lhe chegue aos calcanhares, já temos uma obra-prima garantida para este ano. Mas Eastwood estará de volta em Março com Gran Torino, e cá estaremos para ver o que ele nos reserva.

Este artigo foi originalmente publicado no Take a Break

Paulo Costa

TOP 10 - 2008

2009-01-07T11:25:00.012Z

Infelizmente, o panorama algo caótico de estreias, juntamente com a crise e outros afazeres ao longo do ano não me permitiram ver algumas obras passíveis de figurar na lista dos melhores do ano. Assim sendo, este habitual top assume desde logo as suas limitações mas ainda assim reúne 10 filmes que, em meu entender, têm qualidades indiscutíveis. Tem-se dito que 2008 foi um mau ano cinematográfico, e fico tentado a concordar. Ainda assim, deu para ver um filme “maior do que a vida”, outro a roçar a perfeição e mais uns quantos bastante interessantes, que ainda fazem com que o cinema valha realmente a pena. Este ano não destaco menções honrosas, mas não posso deixar de assinalar Shine a Light, uma pequena maravilha que Scorsese e os Stones nos ofereceram em 2008.

10 O SABOR DO AMOR (My Blueberry Nights)
Porque marca o regresso de Wong Kar Wai depois de 2046, com mais uma história de amor, descoberta, personagens deliciosas e um apuradíssimo sentido estético. Porque Norah Jones tem uma estreia absolutamente perfeita como actriz, acompanhada por um elenco brilhante. Porque além do mais é ritmado por música fabulosa. Porque, goste-se ou não, ninguém filma como Wong Kar Wai.

9 TROPA DE ELITE
Porque consegue ser polémico e, ao mesmo tempo, ser um excelente exercício de realismo cinematográfico, filmado com fulgor e interpretado por um leque de excelentes actores, de onde se destaca o intenso Wagner Moura como o Capitão Nascimento. Porque não procura lados, ou soluções fáceis ou moralismos de pacotilha, como muitos quiseram fazer crer. Porque é forte.

8 O ORFANATO (El Orfanato)
Porque consegue comover, assustar e mesmo fazer rir, sem grande esforço ou sem necessidade a espalhafatos visuais. Porque tem a sua maior força numa impecável encenação, construindo o medo a partir do invisível, da ausência, ao bom estilo de M. Night Shyamalan. E porque Belén Rueda é incrível na dedicação ao papel de uma mãe que só quer reencontrar o seu filho.

7 CORAÇÕES (Coeurs)
Porque Alain Resnais mostra que nunca se pode deixar de contar com os verdadeiros mestres. Porque não sendo uma obra-prima como Hiroshima, Mon Amour, é um dos raros filmes de hoje em dia com este grau de compreensão pelo Homem, verdadeiramente interessado nas suas múltiplas personagens, nas falhas e nas virtudes. E porque, mais do que isso, é um grande trabalho de Cinema, com a lente sempre à distância certa, com os planos de duração milimétrica e uma direcção de actores impecável.

6 ANTES QUE O DIABO SAIBA QUE MORRESTE (Before the Devil Knows You're Dead)
Porque muito do que se disse em relação ao filme anterior se pode dizer em relação ao novo título de Lumet. Porque possui um olhar sobre o Homem que só o conhecimento e a idade podem atingir. Porque além de uma perfeita mise-en-scéne e de um argumento inteligentemente não-linear, tem o elenco do ano, encabeçado por um Philip Seymour Hoffman cada vez melhor, e uma Marisa Tomei cada vez mais decidida a acabar com dúvidas relativas ao seu valor.

5 NÓS CONTROLAMOS A NOITE (We Own the Night)
Porque James Gray consegue filmar com a elegância dos clássicos e nunca deixar de ser contemporâneo. Porque o seu argumento é forte, ao mesmo tempo que consegue jogar com os elementos clássicos do bem e do mal sem para isso ter de recorrer a explosões sucessivas ou outro tipo de ilusões. Porque está tudo o que precisa de estar em cada um dos seus planos. Porque Joaquín Phoenix é uma força da natureza e merece todos os elogios do mundo.

4 ESTE PAÍS NÃO É PARA VELHOS (No Country For Old Men)
Porque os Coen adaptam Cormac McCarthy mas mantêm-se totalmente fiéis ao seu próprio estilo. Porque tiram total proveito de todas as facetas desta arte audio-visual, e criam tanto horror com um niilista munido com uma arma de pressão de ar, como com o simples tocar de um telefone. Porque fazem um cinema livre e único, e não sentem que precisam de provar nada a ninguém.

3 THE DARJEELING LIMITED
Porque Wes Anderson é dos mais originais sem ser pretencioso. Porque se mantém também igual a si próprio, mesmo quando o público e a crítica deixaram de responder de forma tão entusiasmante como no início. Porque cada plano continua a ser construído com a perfição de um ourives, e porque o seu universo aparentemente tão artificial é mais emotivo e sincero do que muito filme supostamente realista. Porque Brody, Schwartzman e Wilson são quase o melhor conjunto de irmãos do ano.

2 O SONHO DE CASSANDRA (Cassandra's Dream)
Porque Farrell e McGregor são o melhor conjunto de irmãos do ano, ao serviço de um dos mais impressionantes trabalhos de realização e argumento da longa e genial carreira de Woody Allen. Porque nada, nenhum plano, nenhum fotograma, nenhuma palavra de diálogo está a mais, sendo tudo parte fundamental de uma peça de dimensões trágicas. Porque Allen completou a sua trilogia Londrina com mais uma obra-prima, depois de Match Point e porque, como já se disse atrás por mais do que uma vez, não se pode deixar de contar com os mestres.

1 HAVERÁ SANGUE (There Will Be Blood)
Porque é um dos mais distintos espécimes cinematográficos deste ano e dos últimos. Porque poucas coisas se lhe podem comparar, mesmo que lhe encontremos resquícios de Huston, Kubrick ou Altman. Porque Daniel Day-Lewis voltou a agigantar-se. Porque Paul Thomas Anderson pertence àquele grupo de cineastas com quem solidifiquei a paixão pelo cinema e porque, quando todos pensávamos que seria quase impossível chegar ao nível de Magnolia, Haverá Sangue está lá bem perto. Porque a realização é grandiosa. E porque, obviamente, foi o melhor filme que vi em 2008.

Paulo Costa

2008-12-24T11:35:00.001Z

FELIZ NATAL A TODOS!

Paulo Costa

10 Blogues, 5 Filmes, 1 Realizador - Novembro 2008

2008-12-24T11:29:00.004Z

Antes de mais, devo confessar a minha distracção por me ter esquecido de actualizar esta rúbrica do Knoxville, mas ei-la de regresso. Deixo aqui apenas a última das tabelas para não encher a primeira página do blog com tudo o que está para trás, mas elas podem ser consultadas no blog que tudo começou.

Paulo Costa